Il y a dix ans (IV) : François Hollande et le café liégeois

En 2012, pour compenser en quelque sorte la fermeture du Consulat général de France à Liège, j’avais été nommé Consul honoraire de France pour la province de Liège. Fonction bénévole mais exigeante, puisque le consul honoraire appelé à aider, voire secourir les Français (notamment les nombreux étudiants) résidant dans cette partie de la Wallonie francophone, et à représenter son pays aussi souvent que c’est nécessaire.

Cette photo me touche quand je la revois : c’était le 14 juillet 2013, parce que c’est une tradition à Liège de célébrer la fête nationale française, en présence des plus hautes autorités de la Ville et de la Province !

François Hollande à Liège

Le 4 août 2014, il y a donc exactement dix ans, plusieurs chefs d’Etat et de gouvernement, dont le président de la République française, avaient fait le déplacement de Liège, pour marquer le centenaire du début de la Première Guerre mondiale et de la fameuse Bataille de Liège. C’est la résistance héroïque des forts de Liège qui retarda l’invasion allemande et sa percée sur la France. Voilà pour la grande histoire ! La petite histoire est aussi connue : c’est pour honorer ces courageux Liégeois que les cafetiers parisiens débaptisèrent le café viennois et le renommèrent « café liégeois« , que la rue et la station de métro Berlin furent rebaptisées Liège, et qu’en 1919 la Légion d’Honneur fut décernée à la Ville de Liège.

En faisant le bourgmestre de la Ville de Liège, Willy Demeyer, Officier de la Légion d’Honneur, François Hollande marquait la reconnaissance renouvelée de la France cent ans après.

En retrouvant un extrait du discours prononcé ce jour-là par le président de la République d’alors, je suis frappé par la permanence de certains événements : l’Ukraine, Gaza, l’Europe… Dix ans après ! La paix ou la guerre ?

L’été 24 (VI) : les Frenchies à Hollywood

Mon ami Lionel Bringuier ne cachait pas sa joie de revenir diriger, il y a une quinzaine de jours, dans ce lieu mythique qu’est le Hollywood Bowl à Los Angeles.

En 2023, c’est Louis Langrée qui, remplaçant un jeune chef empêché, conquit le public et la critique de ce festival permanent d’été

Pour mon premier grand voyage dans l’Ouest américain, en juillet 1999, j’avais réussi à obtenir des billets (à des prix prétendument populaires, mais déjà élevés !) pour un concert sobrement intitulé Vive la France !. Avec un chef que je connaissais un peu par le disque, John Mauceri, et un invité surprenant qui y faisait ses débuts, le mime Marcel Marceau (1923-2007). A vrai dire, je venais moins pour la musique, même si écouter l’orchestre de Los Angeles (qui joue un soir sur deux sous son nom, l’autre soir comme « Hollywood Bowl Orchestra », question de contrats !) est un plaisir qui se goûte, que pour l’ambiance de ce gigantesque pique-nique en plein air ! Je n’avais pas gardé un souvenir impérissable de la prestation du chef ni même du mime. Je n’étais pas le seul si j’en crois cet article du Los Angeles Times que je viens de retrouver : Movies, Marceau Give French Accent to Bowl.

Felix Slatkin ou la grande époque

Pour les discophiles comme moi, le Hollywood Bowl Orchestra est à jamais associé à un chef disparu pourtant dans la fleur de l’âge à 47 ans, Felix Slatkin (1915-1963), père d’un autre grand chef américain Leonard Slatkin qui fête dans quelques jours son 80e anniversaire. Il y a quatre ans, j’avais évoqué un magnifique et très précieux coffret de 13 CD qui regroupe le legs discographique de Felix Slatkin avec « son » Hollywood Bowl.

Quand on consulte le détail des enregistrements (voir ci-dessous) on reste songeur et surtout admiratif de l’art fait d’autant de rigueur que de charme de Felix Slatkin, dans des répertoires qui ne se limitent pas au seul continent américain

Le coffret Scribendum est en promotion actuellement sur prestomusic !

Albéniz: Triana from « Iberia »

J. S. Bach: Air from BWV1068

J. S. Bach: Prelude & Fugue No.8, BWV 853

Bizet: Farandole from « L’Arlésienne »

Britten: Young Person’s Guide to the Orchestra, Op. 34

Caplet: Conte Fantastique (The Masque of Red Death)

Carlos Chávez: Toccata for Percussion

Debussy: Petite Suite (orch. by H. Büsser)

Delibes: Pizzicato Polka from « Sylvia »

Delius: On Hearing the First Cuckoo in Spring

Delius: Summer Night on the River

Delius: Intermezzo from ‘Hassan’

Delius: Serenade from ‘Hassan’

Delius: Caprice for Cello and Orchestra

Delius: Elegy for Cello and Orchestra

Delius: Prelude to ‘Irmelin’

Ernst von Dohnányi: Variations on a Nursery Theme, Op.25

Gershwin: Porgy and Bess, A Symphonic Picture

Gershwin: Rhapsody in Blue

Gershwin: An American in Paris

Glière: Russian Sailors’ Dance from « The Red Poppy »

Morton Gould: Latin-American Symphonette

Grieg: Norwegian Dance No.2

Grieg: Peer Gynt Suites I & II

Grofé: Grand Canyon Suite

Grofé: Mississippi Suite

Ibert: Divertissement

Ippolitov-Ivanov: Caucasian Sketches, Op.10

Kabalevsky: Galop from « The Comedians »

Khachaturian: Sabre Dance from « Gayaneh »

Mendelssohn: Piano Concerto in D flat

Mendelssohn: A Midsummer Night’s Dream

Massenet: Navarraise from « Le Cid »

Massenet: Méditation from « Thaïs »

McDonald: From Childhood Suite for Harp and Orchestra

Milhaud: Concerto for Percussion and Small Orchestra

Offenbach: Gaîté Parisienne (arr. Manuel Rosenthal)

Ravel: Boléro

Ravel: 1812 Overture

Ravel: Pavane for a dead princess

Rimsky-Korsakov: Capriccio Espagnol

Rimsky-Korsakov: Flight of the Bumble Bee

Rossini: William Tell Overture

Saint-Saëns: Carnival of the Animals

Saint-Saëns: Bacchanale from « Samson et Delilah »

Saint-Saëns: Introduction and Rondo Capriccioso

Sarasate: Zigeunerweisen 

Johann Strauss II: Artist’s Life

Johann Strauss II: Vienna Life

Johann Strauss II: Waltz from « Tales from the Vienna Wood »

Johann Strauss II: You and You from « Die Fledermaus »

Johann Strauss II: On the Beautiful Blue Danube

Johann Strauss II: Emperor Waltz

Johann Strauss II: Voices of Spring

Richard Strauss: Waltzes from « Der Rosenkavalier »

Suppé: Light Cavalry Overture 

Tchaikovsky: The Nutcracker Suite

Tchaikovsky: Andante Cantabile

Tchaikovsky: Serenade for Strings

Tchaikovsky: Waltz from « The Sleeping Beauty »

Villa-Lobos: Bachianas Brasileiras No. 1, W.246

Waldteufel: Skaters’ Waltz

Waldteufel: España 

Weinberger: Polka from « Schwanda the Bagpiper »

Arrangements by A.R. Marino:

Arkansas traveler (Traditional)

Orange blossoms special (Traditional)

Listen to the mockingbird (Traditional)

Faded love (B. Wills)

Fisher’s horn pipe (Traditional)

Chicken reel (J.M. Daly)

Devil’s dream (Traditional)

Turkey in the straw (Traditional)

Back up and push (Traditional)

Maiden’s prayer (Traditional)

Golden slippers (Traditional)

Fire on the mountain (Traditional)

Felix Slatkin (1915-1963) – Amerigo R. Marino (1925-1988)

Brass Pizzicato from « Symphony No.4 » by Tchaikovsky

Hi-Fi Hero from « Symphony No.4 » by Beethoven

For Elise from « Für Elise » by Beethoven

Pensive Prelude from « Prelude in C sharp minor by Rachmaninoff

Carmen’s Hoedown from « Carmen » by Bizet

Wistful Haven from « Symphony of the New World » by Dvořák

Run Strings Run from « Rondo in D » by Mozart

Winter’s Sadness from « Violin Concerto » by Tchaikovsky

The Merry Cobbler from « Zapeteado » by Sarasate

Havana Mist from « Havanaise » by Saint-Saëns

Three Plus Two from Symphony No.6 by Tchaikovsky

Twist the Can-Can from « Orpheus in the Underworld » by Offenbach

Reveille (Traditional)

U.S. Field Artillery march (Sousa)

Anchors Aweigh (Zimmerman)

U.S. Marines on Parade (Mancini)

U.S. Air Force song (Crawford)

Semper Paratus (van Boskerck)

Stars and Stripes Forever (Sousa)

Semper Fidelis (Sousa)

National Emblem (Bagley)

El Capitan (Sousa)

The Washington Post (Sousa)

The Thunderer (Sousa)

Under the Double Eagle (J.F. Wagner)

American Patrol (Meacham)

The Star-Spangled Banner (Smith)

Taps (Traditional)

Charge! (Arnaud)

Drummer Boys (Arnaud)

Buglers Dream (Arnaud)

Fifes and Drums (Arnaud)

Bagpipes and Drums (Arnaud)

When Johnny Comes Marching Home (Arnaud)

Bonanza (Livingston; Evans)

Golden Earrings (Livingston; Evans; Young)

Spellbound (David; Rózsa)

Terry’s Theme from Limelight (Chaplin)

Theme from A Summer Place (Steiner)

Peter Gunn (Mancini)

Love Is A Many Splendored Thing (Webster; Fain)

Three Coins in The Fountain (Styne; Cahn)

Mr. Lucky (Mancini)

Gigi (Lerner; Vian; Loewe)

Green Leaves of Summer (Tiomkin; Webster)

Around the World (Adamson; Young)

Unchained Melody (A. North; H. Zaret)

The Magnificent 7 (E. Bernstein)

My Own True Love “Tara’s Theme” (M. David; M. Steiner)

Last Date (F. Cramer)

Song from Moulin Rouge “Where Is Your Heart” (Auric; Engvick)

Theme from The Sundowners (Tiomkin)

Laura (D. Raskin; J. Mercer)

Never on Sunday (B. Towne; M. Hadjidakis)

Exodus (M. Gould)

Night Theme (R. Peterson; W. Cogswell)

Smile (Chaplin; Parsons; Turner)

It’s Not Forever (D. Marks; D. Duran)

Label

Le dernier étonnement de Benoît Duteurtre

J’apprends cet après-midi par Marc Voinchet, le directeur de France Musique, le décès hier, d’une crise cardiaque, de Benoît Duteurtre, qui animait depuis 1999 l’indétronable émission du samedi matin Etonnez-moi Benoît.

Il n’y pas de hasard paraît-il, que des coïncidences. J’achevais ces jours derniers l’un des derniers ouvrages de Benoit, de l’écrivain Duteurtre.

Dans l’un des derniers chapitres, l’auteur racontait ses aventures à France Musique. Quelle ne fut pas ma surprise de me voir nommément cité, comme celui qui ouvrit à B.D. les portes d’une chaîne dont il fit les beaux jours durant 28 ans. A une époque où je cherchais à renouveler sensiblement les producteurs de la chaîne, j’étais en quête de personnalités sortant un peu des sentiers balisés de la radio. Benoît s’était fait connaître spectaculairement en 1995 par un essai qui lui valut autant de notoriété que de détestation.

Ceux qui ne l’ont pas lu le tenaient pour un brûlot anti-Boulez, ceux qui comme moi l’avaient lu y voyaient une saine manière de contester l’ordre établi.

Je ne pouvais être suspect d’aucune partialité dans ce débat, puisqu’après avoir organisé en 1995 toute une journée de célébration des 70 ans de Pierre Boulez sur France Musique, j’invitai, un an plus tard, Benoît Duteurtre à démontrer ses talents de programmateur durant les après-midi de France Musique. Ce qu’il fit avec une modestie et une science avérées. En 1997, remaniant les programmes de la chaîne, je confiai à Benoît une « vraie » émission, où sa vive intelligence, sa connaissance de vastes répertoires et des chemins de traverse de la musique classique, pourraient se révéler. Ce fut « Les beaux dimanches ». Dans son livre, B.D. dit que l’émission ne dura qu’une saison, en réalité elle alla jusqu’à 1999… et au changement de direction de la chaîne. Mon successeur, Pierre Bouteiller, intrigué par le personnage, qui commençait comme écrivain à être très coté dans les millieux littéraires parisiens, lui confia cette émission du samedi matin devenue légendaire.

J’ai beaucoup aimé Benoît Duteurtre, pour sa culture musicale et littéraire incroyablement ouverte, pour sa modestie aussi, son amitié indéfectible. J’ai travaillé avec lui, plus tard, lui directeur de l’association Musique nouvelle en liberté, moi directeur de l’Orchestre philharmonique de Liège : à deux reprises il invita l’orchestre à Paris pour des concerts de création.

J’ai lu beaucoup, presque tous ses livres, qu’on ne tardera pas à considérer comme la chronique douce-amère de notre époque, qui lui valut l’amitié et le soutien de nombre de ses aînés, je pense à Milan Kundera. Je sais qu’il a été très meurtri de n’avoir pu accéder à l’Académie française, et que, de plus en plus souvent, il laissait son petit appartement à côté de Notre Dame pour se réfugier dans les Vosges de son enfance, où il est mort.

Je sais que France Musique va lui rendre l’hommage qui lui est dû. Marc Voinchet me confiait que B.D. avait enfin cédé à ses instances en réalisant l’une de ces séries d’été qui font le bonheur des auditeurs et l’honneur de la chaîne de service public, une série sur la musique légère. C’est cette série qui refermera la grille d’été, comme un testament inachevé…

Adieu Benoît, on se serait bien passé de ton dernier étonnement !

Les joies de juin

D Day #80 : Félicitations

Félicitations à France 2, à la télévision publique en général, pour cette journée très réussie de commémoration des 80 ans du Débarquement. De Télématin à la cérémonie de fin d’après-midi, j’ai appris beaucoup de choses, de détails historiques, que j’ignorais, et cela sans le recours à d’incessants micro-trottoirs qui tiennent trop souvent lieu de reportages. Musicalement, la cérémonie internationale d’Omaha Beach avait l’allure et la carrure nécessaires : tout et tous étaient à leur place. Lambert Wilson, magnifique récitant, Alexandre Tharaud et son piano poétique, le choeur de l’Armée française préparé par sa cheffe Aurore Tillac, et peut-être surtout la Maîtrise populaire de l’Opéra Comique qui nous a profondément émus.

Chantilly sans crème

En septembre dernier, j’avais bien aimé le rendez-vous festif qu’Iddo Bar-Shai propose à Chantilly (Double crème). Je me réjouissais de retrouver le cadre imposant des anciennes écuries royales, en ce premier jour de juin, pour les Coups de coeur de Steven Isserlis.

Déception, frustration de ne pas plus et mieux entendre des musiciens que j’admire, comme je l’ai écrit pour Bachtrack : Frustrations à Chantilly

Oslo à Paris

Mardi dernier en revanche, l’affiche a tenu ses promesses. Un programme tout Brahms proposé par l’Orchestre philharmonique d’Oslo en tournée, dirigé par un chef qu’on connaît bien à Paris, Klaus Mäkelä, jouant aussi la partie de violoncelle du double concerto de Brahms. En compagnie d’un violoniste, Daniel Lozakovich, qui ne cesse de nous impressionner, concert après concert. Compte-rendu enthousiaste à lire sur Bachtrack : Klaus Mäkelä voit double avec l’Orchestre philharmonique d’Oslo

En marge du concert, deux brèves rencontres inattendues. Dans le métro de retour d’abord, une vieille dame un peu voûtée, le regard pétillant, s’adressant à deux jeunes hommes qui venaient manifestement d’assister au concert, et une voix que je n’ai reconnue qu’au dernier moment avant qu’elle ne sorte à la station Stalingrad, l’une des productrices emblématiques de France Musique, Martine Kauffmann, que je n’avais plus revue depuis près de trente ans.

En revanche, je savais d’avance que j’apercevrais au pupitre de clarinettes, Pierre Xhonneux (prononcer O-noeud), un musicien que j’avais engagé tout jeune – il avait 18 ans ! – à l’Orchestre philharmonique de Liège, et qui avait rejoint les rangs du philharmonique d’Oslo en 2015. Impossible de le retrouver dans le dédale de couloirs et de salles qui forme les coulisses de la Philharmonie, au milieu des « flightcases » de l’orchestre. Le lendemain matin, sortant du Café Charlot, rue de Bretagne où j’ai mes habitudes pour le petit déjeuner, je tombe sur Pierre et deux de ses collègues norvégiens. Ou comment le hasard fait bien les choses…

Sawallisch inconnu

Je l’ai longuement évoqué il y a un mois (Sawallisch ou les retards d’un centenaire) à propos de deux publications récentes. Je n’avais pas encore reçu le premier des deux coffrets que Warner consacre au chef allemand, né en 1923, disparu en 2013. Par rapport à un premier coffret EMI, acheté naguère au Japon, qui était limité au répertoire symphonique et concertant, il y a bien sûr l’œuvre chorale (Schubert) et de nombreux disques de Lieder où Sawallisch est au piano, mais aussi quelques pépites que je n’avais jamais vues en CD parmi les premiers enregistrements du jeune chef avec le Philharmonia.

ou encore une complète découverte pour moi que ces mélodies de Pfitzner avec Dietrich Fischer-Dieskau

Et puis, last but not least, l’excellent texte de Remy Louis, qui est une mine d’informations de première main sur l’art de ce chef.

Mon marché de printemps

J’ai une dilection particulière pour ces musiques qu’Armin Jordan qualifiait de « décadentes » avec une gourmandise non feinte, comme celles de Schreker ou Zemlinsky. Christoph Eschenbach nous offre une belle nouveauté avec ce double album enregistré à Berlin, et deux solistes splendides, Chen Reiss et Mathias Goerne.

Trouvé à petit prix sur jpc.de, je n’avais jamais repéré ce CD paru en 1998 de Stephen Hough (pour la prononciation, je renvoie à Comment prononcer les noms de musiciens ?) consacré à un compositeur singulier autant qu’admirable, Federico Mompou

Confidences et confidentialité

Aussi paradoxal que cela paraisse pour l’auteur d’un blog, je répugne à l’étalage des sentiments, et surtout à la divulgation de ce qui est et doit rester intime, voire secret. Or les réseaux sociaux ont, semble-t-il, levé tout scrupule même chez des personnages qu’on aurait pensé plus avertis des nécessités de la confidentialité.

Ainsi à propos de deux « moments » tout récents d’actualité, sans lien autre que chronologique entre eux : »l’affaire » François-Xavier Roth et la disparition d’Hugues Gall.

François-Xavier Roth, ce que je sais

J’ai écrit ici même hier: Difficile d’ignorer la tourmente dans laquelle se trouve plongé François-Xavier Roth depuis l’article que lui a consacré Le Canard enchaîné ce mercredi. Je n’entends pas participer à la curée. Je me suis déjà exprimé ici – Remugles – sur les « affaires » qui avaient déjà éclaboussé le monde musical. La prudence s’impose et seule la justice, pour autant qu’elle soit saisie, peut qualifier la réalité des faits allégués.

Si je m’en tenais à la période compliquée que j’ai traversée en 2009-2010 à cause de FXR (lire Le choix d’un chef) j’aurais des raisons de lui en vouloir, et peut-être d’aboyer avec la meute. Oui j’ai su, à l’époque, que, s’ennuyant sans doute dans l’appartement qu’il occupait à Liège, il lui arrivait de draguer par SMS, des musiciennes, des musiciens et sans doute pas qu’eux…Alors que, durant tout mon mandat de directeur à Liège, j’ai toujours été extrêmement attentif, et intransigeant, sur tout ce qui pouvait relever du harcèlement, en dehors parfois même des procédures légales, que j’ai en toutes circonstances été disponible pour celles ou ceux qui souhaitaient me confier leurs problèmes personnels, de quelque nature qu’ils fussent – parce que tous savaient que je conserverais le secret le plus absolu sur leurs..confidences (confidence = confiance). Je n’ai jamais dérogé à cette règle.

S’agissant de FX Roth, lorsqu’on me rapportait ses tentatives, c’était le plus souvent pour s’en amuser, évoquer les « râteaux » qu’il se prenait. Dans une communauté comme un orchestre, tout se sait ou finit par se savoir de qui « sort » avec qui, des comportements des uns et des autres. Jamais je n’ai reçu la moindre plainte à l’encontre du chef.

A ce jour, depuis l’article du Canard enchaîné, je ne sache pas d’ailleurs que la justice ait été saisie, en France ou en Allemagne, là où le chef français exerce ses responsabilités. Je rapprocherais plutôt la situation de FXR de l’épisode qui a valu à un ancien secrétaire d’Etat, candidat à la Mairie de Paris en 2020 – Benjamin Griveaux – son retrait forcé de la vie politique. Dans les deux cas, il n’y a pas eu de violence sur autrui, ni fait pénalement répréhensible, juste des situations ridicules dont la seule victime est l’auteur.

Mais dans l’esprit des abonnés aux réseaux sociaux, la cause est entendue : Griveaux comme Roth sont coupables !

Demain on révèlera que tel pianiste est sur Grindr, tel patron sur Tinder, et on balancera sur les réseaux le contenu de leurs échanges, leurs photos intimes ?

Hugues Gall l’homme d’honneurs

Depuis que Jean-Louis Grinda l’a, le premier, annoncé avant-hier soir sur Facebook, le décès d’Hugues Gall, ancien directeur du Grand Théâtre de Genève puis de l’Opéra de Paris, n’en finit pas de susciter des flots de confidences, qui ne ressortissent pas toutes – euphémisme ! – à des souvenirs professionnels. Et tout cela complaisamment étalé sur les réseaux sociaux…

Tel ancien collègue du disparu se répand en détails très personnels, ou à l’inverse un autre raconte par le menu des interventions d’Hugues Gall dans un dossier complexe, avec force détails et insinuations, auxquels évidemment l’intéressé ne peut plus répliquer.

Il se trouve que j’ai un peu connu Hugues Gall. D’abord à Genève, où il était le tout-puissant patron du Grand-Théâtre (l’opéra). J’étais alors à la Radio suisse romande, pas directement en charge des relations avec les institutions lyriques. Mais en 1992, j’avais été chargé d’organiser une journée/soirée commune entre la chaîne culturelle romande, Espace 2, et France Musique, qui devait s’achever par une diffusion en direct du Grand Théâtre. J’avais pris contact avec l’équipe du GTG pour régler tous les détails, ne sachant pas que Gall contrôlait tout, décidait de tout. Je reçus un coup de fil de sa part, courroucé – le terme est aimable ! – me reprochant de le tenir à l’écart, etc… Sous l’algarade, je ne pus que bafouiller quelques excuses. J’entendis mon interlocuteur se détendre et me dire : « Je sais très bien qui vous êtes, vous ne m’aimez pas ! ».Il insista : « Oui quand je vous vois au théâtre, vous m’ignorez« . J’en étais comme deux ronds de flan. Le personnage m’impressionnait, je ne lui avais jamais parlé, et je pensais évidemment qu’il ne m’avait jamais remarqué… On était à fronts renversés ! L’année qui suivit, jusqu’à mon départ pour France Musique à l’été 1993, fut plus sereine. Au point que quand j’annonçai mon départ de la Radio suisse romande à Hugues Gall, il me répondit un petit mot : « Vous me chaufferez la place ! ». Sa nomination à la direction de l’Opéra de Paris en 1995 venait d’être annoncée.

Je laisse à d’autres le soin de rappeler sa carrière et son engagement au service de la musique et de l’art lyrique, comme Emmanuel Dupuy pour Diapason : Le réformateur de l’Opéra de Paris

Je garde, tant à Genève qu’à Paris, de merveilleux souvenirs de représentations d’opéra, souvent liés à la mémoire d’Armin Jordan qu’Hugues Gall admirait profondément – c’est lui, qui sauf erreur de ma part, l’a invité pour la première fois à l’Opéra de Paris, pratiquement chaque année durant son mandat, et on en sait le résultat, puisque si Philippe Jordan en est devenu plus tard le directeur musical, c’est bien sûr en raison de son talent, mais aussi de la trace qu’avait laissée son père dans la fosse de Bastille ou de Garnier.

Pardon pour la piètre qualité de cette copie de cette Veuve joyeuse impérissable qui rassemblait, en 1997, Karina Mattila, Bo Skovhus.. et Armin Jordan, dans une mise en scène d’un autre récent disparu, Jorge Lavelli.

Pour l’ouverture de sa première saison parisienne, Hugues Gall avait frappé un grand coup avec un Nabucco extraordinaire, avec Julia Varady en Abigaille :

Hugues Gall aimait le pouvoir, et même s’il n’était dupe d’aucun des travers des puissants, auxquels il réservait une ironie jouissive, il aimait les honneurs. La liste de ses décorations m’a toujours fait sourire : Commandeur de la Légion d’honneur, Grand officier de l’Ordre national du Mérite, Commandeur des Arts et Lettres, Commandeur des Palmes académiques… et même Chevalier de l’ordre du Mérite agricole ! Sous la présidence Sarkozy, il jouait le rôle de ministre bis de la Culture. Il présida l’Orchestre français des jeunes et son influence y fut réelle (je me rappelle un échange de correspondances plutôt vif entre lui et Mathieu Gallet, alors PDG de Radio France, lorsque ce dernier envisageait de ne plus héberger l’OFJ dans les locaux de la Maison ronde, faute de place en raison des travaux de « réhabilitation » du bâtiment).

Le dernier souvenir que j’ai de lui, c’était il y a quelques mois : le hasard du protocole nous avait assis l’un à côté de l’autre à l’Opéra Bastille. Je ne l’avais pas revu depuis longtemps et je m’étonnais de sa présence, sachant qu’il avait refusé de revenir comme spectateur à l’Opéra de Paris durant tout le mandat de Stéphane Lissner… Il s’était montré charmant et apparemment très informé de mes activités, puisque nous étions « amis » sur Facebook et que, s’il s’exprimait peu sur ce réseau, il suivait manifestement de près les aventures des uns et des autres.

Il y a dix ans (III) : Liège à Vienne

Je ne vais pas rappeler ici une évidence : autant que les voyages forment la jeunesse, les tournées forment les orchestres. Plus précisément, on n’a jamais trouvé mieux qu’une tournée de concerts pour conforter, développer, améliorer la cohésion, l’unité d’un orchestre. Il est essentiel pour toute formation de se confronter à d’autres publics, d’autres salles, d’autres conditions de travail. C’est pourquoi, malgré les difficultés financières, les budgets restreints, j’ai toujours tenu à organiser pour l’Orchestre philharmonique royal de Liège entre 2000 et 2014 des tournées de concerts qui répondraient à cet objectif. Nous avons eu beaucoup de chance – nous l’avons certes favorisée ! – de pouvoir encore entreprendre ces voyages, que j’ai évoqués au fil de ce blog. Difficile de choisir dans les souvenirs, même si l’Amérique du Sud en août 2008 (lire Un début en catastrophe) reste à tous égards indélébile.

Mais les trois concerts (2005, 2011, 2014) dans la grande salle dorée du Musikverein à Vienne demeurent, encore aujourd’hui, mes souvenirs les plus forts. Le dernier avait lieu, il y a précisément dix ans le 22 mai 2014. Lire Les soirées de Vienne

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Le Viennois Christian Arming chez lui, dans le parc municipal de Vienne, à côté de la statue d’hommage au roi de la Valse Johann Strauss.

J’ai cité les trois dates mais pas toujours raconté les coulisses de l’exploit. En 2005 : Je me rappelle, comme si c’était hier, l’émotion qui nous avait tous saisis, des plus chevronnés aux plus jeunes musiciens de l’Orchestre philharmonique – qui n’était pas encore Royal ! – de Liège, lorsqu’en octobre 2005 nous étions entrés dans les coulisses, puis sur la scène de la grande salle du Musikverein. Pour un concert dirigé par Louis Langrée – le concerto en sol de Ravel avec Claire-Marie Le Guay, et bien évidemment la Symphonie de Franck.

Lorsque l’orchestre était arrivé de Zagreb l’avant-veille du concert, il avait rejoint, dans la banlieue de Vienne, l’hôtel que l’organisateur de la tournée avait réservé. J’étais de mon côté en voiture avec le chef et la soliste, tout juste arrivé à un autre hôtel jouxtant le Musikverein lorsque je reçus un appel affolé du régisseur de l’orchestre : beaucoup de musiciens refusaient de séjourner dans un établissement qui sentait l’oeuf pourri (à cause de la présence d’une usine de traitement des eaux usées à proximité!). J’entrepris une rapide discussion avec les représentants de l’orchestre et pris l’engagement de reloger l’orchestre au centre de Vienne, sans savoir s’il y avait ou non des disponibilités. Mais je me disais qu’en mobilisant la petite équipe qui accompagnait l’orchestre, on y arriverait… quoi qu’il en coûte ! Nous pûmes finalement reloger presque tout le monde à l’Intercontinental. Et il fallut ensuite réussir à prévenir tous les musiciens, dont beaucoup s’étaient déjà égayés dans la nature. Il y eut quelques scènes cocasses mais tout finit bien !

En 2011, situation plus compliquée, mais cette fois pas du fait de l’organisation ou des musiciens. Deux concerts étaient prévus, le premier à Varsovie, le second à Vienne, avec le chef qui avait inauguré en septembre 2009 le plus bref des mandats de directeur musical de l’OPRL, François-Xavier Roth*, et qui nous avait lâché au printemps 2010. Il avait fallu le remplacer pour toutes les prestations prévues au cours de la saison 2010-2011 des 50 ans de l’Orchestre ! Pour Varsovie, Louis Langrée avait relevé le gant, Pour Vienne, nous avions eu la chance de compter sur un autre chef viennois, Christoph Campestrini, avec la participation de l’excellent Cédric Tiberghien.

* Difficile d’ignorer la tourmente dans laquelle se trouve plongé François-Xavier Roth depuis l’article que lui a consacré Le Canard enchaîné ce mercredi. Je n’entends pas participer à la curée. Je me suis déjà exprimé ici – Remugles – sur les « affaires » qui avaient déjà éclaboussé le monde musical. La prudence s’impose et seule la justice, pour autant qu’elle soit saisie, peut qualifier la réalité des faits allégués.

Souvenirs (IV) : Martha Argerich et l’OSR à Tokyo (1987)

Au fil de mes activités professionnelles, j’ai beaucoup déménagé, emportant dans des cartons de précieux souvenirs enregistrés sur des cassettes audio et vidéo. Et puis lorsque je me suis fixé il y a quelques années dans une jolie maison près de la dernière demeure de Vincent et Theo Van Gogh, j’ai posé ces cartons dans ma cave, en attendant, en repoussant plutôt, le jour où j’aurais et prendrais le temps de les ouvrir. Ce jour est enfin venu, et j’ai trouvé près de chez moi un professionnel qui a accepté de numériser une série de vidéos qui ont plus ou moins bien résisté à l’usure du temps, à l’humidité, aux déménagements successifs. Voir les précédents épisodes : Hugues Cuénod, Karajan à Salzbourg, Le Grand Echiquier de Karajan.

Martha Argerich à Tokyo en novembre 1987

J’ai eu l’immense chance de pouvoir suivre la grande tournée de l’Orchestre de la Suisse romande au Japon et en Californie à l’automne 1987, avec Armin Jordan bien sûr et en solistes la pianiste Martha Argerich et le violoniste Gidon Kremer. J’ai déjà raconté une partie de ces souvenirs japonais ici : Les printemps de Martha A.

Mais jamais les circonstances de ce document vidéo. Quelques jours avant l’un des deux concerts que l’OSR devait donner à Tokyo, l’administrateur de l’orchestre est averti que la NHK veut enregistrer et diffuser le concert en direct. Or aucune répétition n’est prévue ni même possible pour la télé et la radio. La NHK répond qu’elle n’en a pas besoin, qu’elle a tout réglé sur plans, qu’elle a l’habitude de la salle (le Suntory Hall), qu’elle veut juste vérifier avec un responsable de l’OSR que ses plans sont corrects. On me demande de m’en occuper. Je suis impressionné par le professionnalisme des gens que je rencontre : les cameramen et preneurs de son sont tous musiciens, et n’auront donc aucun mal à capter le concert partition sous le nez ! Je profite de ce contact pour évidemment demander un droit de diffusion sur le antennes radio et télé de la Suisse romande. Et à la fin du concert on me remettra la bande mère en NTSC, un format qui n’était pas celui de l’Europe.

La vidéo que je livre ici est donc sans montage, et ce n’est pas celle qu’ont vue jadis les téléspectateurs suisses. Mais dans les premières images, l’un des cameramen a repéré dans la salle Gidon Kremer

Pour le reste, un programme tout Ravel, dans lequel Armin Jordan et l’OSR étaient sans rivaux, et une Martha Argerich en état de grâce :

Quelques années plus tard, en décembre 2001, à Liège, nous nous étions retrouvés, Armin Jordan, Martha Argerich et moi (le jeune homme à droite de Martha Argerich est le pianiste Mauricio Vallina)

(Liège, décembre 2001 / Photo JPR)

Ceinture pour la culture

Dans le bilan que je tirais de la dernière édition du Festival Radio France que j’ai organisée à Montpellier, en 2022, j’écrivais, pour commenter les bons résultats de ce cru, qui ne retrouvaient cependant pas l’étiage de 2019 de l’avant-COVID :

« On n’a pas fini de mesurer les changements profonds que la pandémie a engendrés pour les artistes comme pour le public. »

« Il y a bien un avant et un après et il ne faudra pas se contenter de généralités approximatives si l’on veut comprendre les nouvelles attentes d’un public qui s’est déjà largement renouvelé ».

J’ai appris depuis longtemps qu’il ne fait pas bon jouer les Cassandre. Je n’ai jamais, pour autant, restreint ma liberté de parole (cf. L’Absente), et ce n’est pas maintenant que je ne suis plus « en responsabilité » que je vais changer.

On lit depuis quelques jours des articles alarmistes sur les restrictions imposées aux grands établissements culturels (voir l’article du Monde daté du 4 avril) le gouvernement, après sa période de prodigalité – qui a tout de même sauvé des pans entiers de notre économie, dont la culture – étant contraint de serrer la ceinture budgétaire à tout le monde. Et voici que, dans Le Monde de ce week-end, Michel Guerrin balance quelques vérités très bonnes à dire… et confirme deux ans après ce que je pressentais en 2022. :

« Les 3 milliards d’euros injectés pour sauver la culture lors de la crise liée au Covid-19 n’ont pas été l’occasion de réformer un secteur marqué notamment par une offre surabondante. Au point que le monde du spectacle, déjà mal en point avant la pandémie, se retrouve dans une situation pire depuis »

« L’Etat a sauvé la culture sans vraiment évaluer les besoins ni jauger les résultats. Il a piloté à vue, provoquant quelques beaux gâchis, et continue de naviguer dans le brouillard.

Le constat, développé par la Cour des comptes dans un rapport publié en mars, est d’autant plus douloureux que l’Etat cherche 10 milliards d’euros d’économies et vient de « piquer » 200 millions d’euros à la culture« 

Je fais une incise pour rappeler que je ne suis pas un grand fan de la Cour des comptes en matière de culture. Je me rappelle quelques entretiens surréalistes, lorsque j’étais à Radio France, avec des inspecteurs de la rue Cambon (siège de la Cour des Comptes), qui démontraient de leur part une méconnaissance totale de la matière qu’ils étaient censés contrôler… J’invite à relire l’article que j’avais consacré à ce sujet il y a un an : Trop de musique ? où je rappelais que « si le général de Gaulle affirmait en 1966, à propos de la Bourse : « La politique de la France ne se fait pas à la corbeille », on renverrait bien la formule aux magistrats de la rue Cambon : « La politique culturelle de la France ne se fait pas à la Cour des Comptes«

Mais je suis – malheureusement – d’accord avec la Cour des comptes et surtout Michel Guerrin lorsque ce dernier écrit :

L’essentiel des griefs est à venir. L’argent ne devait pas servir seulement à sauver le secteur culturel, mais à le moderniser en profondeur : estimer ce qui marche ou pas, définir des priorités. Il ne s’est rien passé, ou presque, déplorent les magistrats. Pire, de l’argent a été investi dans des programmes en dépit du bon sens. L’Etat n’a pas fait la différence entre un théâtre qui allait mal à cause de la crise liée au Covid-19 et un autre, déjà malade auparavant en raison de dysfonctionnements profonds. Des lieux se sont retrouvés avec plus d’argent que le ministère ne leur en donnait en temps normal.

Le résultat ? L’argent du Covid-19 a fait grossir l’offre culturelle. C’est effarant, car aujourd’hui, alors que la pandémie semble loin, le monde du spectacle, déjà mal en point auparavant, se retrouve dans une situation pire. Des théâtres et des opéras n’ont plus l’argent nécessaire pour produire une saison pleine ; ils suppriment une pièce ou une chorégraphie, écartent de jeunes artistes au profit de noms qui font remplir la salle. » (Michel Guerrin, Le Monde 6/7 avril 2024)

Je ne connais pas le détail des arbitrages de la ministre de la Culture, et surtout de Bercy : Rachida Dati affirme qu’elle a tapé dans le porte-monnaie des gros pour préserver les petits, notamment en province (oups, pardon, « les territoires »).

Responsabilité collective

Mais ces réductions venant de l’Etat ne doivent pas masquer un phénomène beaucoup plus large et nettement plus préoccupant. Puisque la plupart des structures culturelles ne dépendent que marginalement du ministère de la Culture, tout ce qui est spectacle vivant, diffusion et production de l’activité culturelle, est directement touché par les décisions des collectivités territoriales. On en sait quelque chose dans les villes gérées depuis 2020 par les écologistes (Lyon, Strasbourg) ou certaines régions gérées par la droite (comme Auvergne-Rhône-Alpes). Mais, de manière moins visible, il n’est pas une région française, de gauche ou de droite, qui n’ait sensiblement réduit sa contribution aux structures culturelles, tout en proclamant le contraire.

J’ai, tout au long de ma carrière dans les médias comme à la tête d’entreprises culturelles, connu les budgets « contraints », les restrictions annoncées ou brutales. Et toujours pensé que cette contrainte devait produire un sursaut d’imagination, de créativité, et non le repli sur soi. J’aurai l’occasion d’en faire état dans une série que je consacrerai prochainement à mes années liégeoises… non pour donner des leçons à quiconque mais pour faire état d’expériences réussies !

Planètes parisiennes

Etrange comme un concert peut faire surgir tant de souvenirs. C’était le cas jeudi dernier à la Maison de la radio avec le concert de l’Orchestre philharmonique de Radio France et Daniel Harding. Dans le compte-rendu – enthousiaste – que j’en ai fait pour Bachtrack (lire Les constellations sonores de Daniel Harding avec l’Orchestre philharmonique de Radio France), j’évoque précisément deux souvenirs indélébiles.

Pour Daniel Harding et l’OPRF, c’était, sauf erreur de ma part, des retrouvailles neuf ans après une première rencontre des plus fécondes, à des dates que nul n’a pu oublier : les 8 et 9 janvier 2015, au lendemain des attentats contre Charlie Hebdo (lire Le silence des larmes).

Quant à Éric Tanguy, dont l’OPRF et Daniel Harding donnaient la première parisienne de Constellations, c’est une vieille histoire si j’ose dire. Un peu par hasard, assistant à l’une des premières éditions du festival Présences, en 1994, j’avais découvert le 1er quatuor à cordes d’un compositeur alors âgé de 25 ans et j’en avais été ébloui. Depuis, je n’ai jamais perdu de vue ni d’oreille un créateur qui n’a jamais hésité à affirmer une personnalité parfois à rebours des modes et des dogmes.

Eric Tanguy et Daniel Harding devant les musiciens de l’Orchestre philharmonique de Radio France

Il faudra écouter ce concert lorsqu’il sera diffusé sur France Musique le 5 avril prochain !

Les jeunes filles de la Maitrise de Radio France très applaudies par le public à l’issue des Planètes de Holst

Un extrait de « Jupiter » des Planètes de Gustav Holst / Orchestre philharmonique de Radio France, dir. Daniel Harding (Vidéo JPR / Reproduction interdite)

Le mépris du public (suite)

Des amis m’ont fait passer un article pleine page paru dans La Dépêche du Midi le 23 février sous un titre on ne peut plus explicite : Gautier Capuçon, les soeurs Berthollet, ces musiciens classiques qui abusent de grosses ficelles pour vendre des disques. Le sous-titre est encore plus explicite : « La musique classique fait désormais l’objet de produits marketing qui s’assurent les meilleures ventes. Gautier Capuçon en est l’exemple le plus flagrant. Son frère Renaud et le Toulousain Bertrand Chamayou analysent le phénomène de façon virulente« .

Je continue de citer l’article de Jean-Marc Le Scouarnec : Après «  Intuition  », «  Emotions  » et «  Sensations  », le violoncelliste Gautier Capuçon a intitulé son dernier album «  Destination Paris  ». Sorti en novembre, il a réussi, comme les précédents, à se placer dans les meilleures ventes d’albums… et pas seulement de musique classique. On y trouve des tubes, des tubes et encore des tubes, issus de la chanson («  La foule  », «  Champs Elysées  », «  Les feuilles mortes  », «  Les copains d’abord  »…), du cinéma («  Un été 42  », «  Chi Mai  », «  Le mépris  »…) et quand même un peu de son univers d’origine («  La veuve joyeuse  », «  Les contes d’Hoffmann  », «  Roméo et Juliette  », etc.) Comment le dire sans fâcher personne : c’est tellement peu original que cela en devient carrément gnangnan. Et atteint même le plus grand ridicule avec une reprise d’  », de Jean-Jacques Goldman et un inédit tout aussi épouvantable du même, intitulé «  Pense à nous  » (avec chœur d’enfants – aïe, aïe, aïe !).

Déambulant naguère dans le rayon classique d’une FNAC parisienne, j’entendis justement un arrangement bien sirupeux des Feuilles mortes joué par un violoncelle qui me semblait en défaut de justesse, capté de trop près : vérification faite, c’était bien Gautier Capuçon.

J’ai connu – et invité – en mars 2002 à Liège, un tout jeune homme de 20 ans, qui faisait un joli duo avec son frère aîné Renaud. Ils avaient joué le double concerto de Brahms. J’ai réinvité Gautier une ou deux fois par la suite (un 2e concerto pour violoncelle de Chostakovitch bouleversant, le concerto en do Majeur de Haydn durant la saison anniversaire 2010-2011 de l’OPRL). En 2021 j’écrivais ceci : Servir plutôt que se servir. C’était à la veille du Festival Radio France. Le « divorce » si l’on peut parler ainsi entre les deux frères était consommé depuis pas mal de temps, même si seul le milieu musical le savait.

Dans La Dépêche, Renaud Capuçon ne fait pas directement allusion à son frère, mais le propos est transparent :  » C’est très bien parfois de proposer des albums de ce type, comme je l’ai fait moi-même avec Un violon à Paris. Le danger – et je parle de façon générale – est d’être obsédé par la vente des disques et d’oublier l’essentiel : jouer les pièces du grand répertoire…. La musique n’est pas une autoroute sans surprises : prenons donc des risques !« 

Dieu sait si Renaud C. a pu agacer, apparaissant en toutes circonstances comme une sorte de musicien officiel de la République, il a nettement pris du champ depuis quelque temps. Mais nul ne peut lui dénier une curiosité toujours en éveil pour la création. Je l’ai entendu jouer Rihm à Liège, créer les concertos de Dusapin à Paris, de Matthias Pintscher à Genève. Le journaliste de La Dépêche rappelle, quant à lui, que le violoniste jouait l’aride concerto de Schoenberg à Toulouse en décembre dernier (« Pas de Goldman ou de Morricone à l’horizon, pas de Joe Dassin en version fade et passe-partout »)

Renaud Capuçon et Matthias Pintscher (Photo JPR)

L’autre musicien cité dans cet article est le Toulousain Bertrand Chamayou : « Ce n’est pas en soi un problème pour un musicien classique de jouer des musiques de films, de la variété ou de la pop… si c’est bien fait, ce qui est rarement le cas ! C’est souvent de la soupe. Les maisons de disques (*) encouragent à utiliser les mêmes ficelles, les recettes toutes faites » Le pianiste remarque qu’en voulant toucher ainsi un public plus large, on risque d’aseptiser la musique ,alors que « on peut incarner de belles choses avec de la grande musique, sans être forcément un odieux snobinard traitant le public avec arrogance »

Le dernier album de Bertrand Chamayou est une nouvelle preuve de la curiosité de l’interprète, mêlant Satie et John Cage : « Erik Satie et John Cage sont des ovnis dans le monde de la musique, car ils ont envisagé la musique à travers un prisme complètement différent », explique le pianiste. « Ce sont des pionniers dans le sens où, pour beaucoup, ils ont changé l’idée même de ce que doit être la musique »

(*) Ce qui est plutôt amusant, c’est que les trois musiciens, Gautier, Renaud Capuçon et Bertrand Chamayou sont édités par le même label, Erato/Warner Classics !