Epidémie de Scarlatti

Recherches faites, il est avéré que la scarlatine, même dans la célèbre version de Ray Ventura et ses Collégiens,

ne résulte aucunement d’un abus de Scarlatti !

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Tant mieux parce qu’une véritable épidémie de Scarlatti s’est développée depuis dimanche dans toute la région Occitanie, à l’instigation de France Musique et du Festival Radio France. Objectif avoué : faire jouer les 555 sonates pour clavecin que le compositeur napolitain, mort à Madrid, a composées, pour l’essentiel, à l’intention de l’Infante d’Espagne. Par 30 musiciens formant sans doute l’élite actuelle du clavecin mondial, lors de 35 concerts, en 13 lieux exceptionnels. Tous les médias en parlent, c’est l’événement de l’été ! (lire 555)

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C’est évidemment au Château d’Assas que les festivités ont commencé samedi dernier, sur le clavecin de Scott Ross.

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Lundi c’était la salle d’assises du Tribunal de Grande Instance de Perpignan qui accueillait deux des concerts de cette intégrale !

Hier soir à Fourques, Justin Taylor et Enrico Baiano dispensaient leur fantaisie devant un public ébahi.

L’incroyable cycle s’achève dimanche là où il a commencé : au château d’Assas. D’ici là on peut encore pister une bonne vingtaine de concerts : tout le programme ici L’intégrale Scarlatti 555.

Je me demandais l’autre jour à haute voix devant Marc Voinchet, directeur de France Musique, et véritable initiateur de ce projet fou, si on ne reprendrait pas l’idée de cette intégrale, mais au piano cette fois. Je crains que cela ne reste à l’état de rêve inaccessible !

Et pourtant Scarlatti donne aussi des merveilles au piano, sous des doigts inspirés. J’avoue ne jamais me lasser d’entendre ces quelques disques précieusement collectionnés au fil des publications ou rééditions.

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En écrivant cet article, je tombe par hasard sur ce très émouvant documentaire dû à la très regrettée et très chère Mildred Clary : Un voyage à Séville avec Christian Zacharias sur les traces de Domenico Scarlatti

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555, nombre magique ! Celui des sonates pour clavier de Domenico Scarlatti, ce compositeur génial, né à Naples en 1685 mort à Madrid en 1727.

1RKa0gAuTcaWSkN3f41cvw Le numéro de juin-juillet de Diapason évoque ce corpus absolument unique dans l’histoire de la musique, parce que c’est le projet phare, le projet fou, du 34ème Festival Radio France Occitanie Montpellier et de France Musique : une première mondiale, donner en 35 concerts, du 14 au 23 juillet, la totalité de ces 555 sonates sous les doigts de 30 clavecinistes : Jean-Marc Aymes, Enrico Baiano, Olivier Baumont, Carole Cerasi, Francesco Corti, Bertrand Cuiller, Aurélien Delage, Mathieu Dupouy, Christiano Gaudio, Maud Gratton, Luca Guglielmi, François Guerrier, Kazuya Gungi, Frédérik Haas – le coordinateur artistique du projet -, Jean-Luc Ho, Béatrice Martin, Lars-Ulrik Mortensen, Giulia Nuti, Olga Pachtchenko, Arnaud de Pasquale, Rossella Policardo, Mario Raskin, Thomas Ragossnig, Jean Rondeau, Mayako Sone, Miklos Spanyi, Justin Taylor, Violaine Cochard, Kenneth Weiss, Paolo Zanzu

Il y a 30 ans, Scott Ross achevait la seule intégrale réalisée à ce jour de ces 555 sonates.

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Préparant cet article, je suis tombé sur un très beau papier de François Ekchajzer, paru en 2011 dans Télérama : lire Scott Ross, l’autre neveu de Rameau.

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La vie, le travail et la mort du claveciniste américain, disparu en 1989, sont intimement liés à un lieu, le Château d’Assas, près de Montpellier.

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Entre histoire de famille, d’architecture et de musique, le château d’Assas est un territoire situé à quelques kilomètres au nord de Montpellier, datant du XVIII^e siècle.

Les seigneurs d’Assas sont mentionnés dès le début du XII^esiècle. Le domaine est vendu en 1486 par Hugues d’Assas à Guillaume Bonnal, qui le vend par la suite en 1747 à Jean Mouton de la Clotte. Devenus banquiers, les Mouton sont anoblis au début du XVIII^e siècle et achètent le château de la Clotte dont ils prennent le nom. Jean Mouton de la Clotte décide de faire abattre le château féodal d’Assas qu’il vient d’acheter et d’y faire construire une résidence d’été en 1759-1760. C’est l’édifice que nous connaissons aujourd’hui. C’est en 1949 que Robert Demangel, ancien directeur de l’École française d’Athènes en fait l’acquisition. Il appartient aujourd’hui à ses héritiers.

On attribue la paternité du château d’Assas à Jean-Antoine Giral, membre d’une influente dynastie d’architectes montpelliérains. Celle-ci est flanquée de deux pavillons à pans coupés, dotés d’un étage supplémentaire dominant le corps central. Le rythme est accentué par des pilastres ioniques en ordre colossal, couronné d’une balustrade de pierre.

La démolition du château de la Mosson (1758) ayant précédé de peu la construction d’Assas, divers éléments provenant de cet édifice ont été remployés, notamment la ferronnerie des balcons du premier étage et un grand lustre. Les boiseries qui décoraient le grand salon ovale d’Assas, elles aussi en provenance de la Mosson, ne sont cependant plus visibles : elles ont été vendues au XIX^esiècle.

L’intérieur a conservé sa disposition et les circulations d’origine. En remplacement des boiseries de la Mosson, de grandes toiles peintes par Jacques de Lajoüe ornent les murs du grand salon. Elles ont pour sujet les arts et les sciences. Ce salon présente un petit orgue positif baroque et, surtout, le clavecin du XVIII^e siècle dont nous retrouvons plusieurs enregistrements du claveciniste Scott Ross.

L’ensemble comprenant le château et ses deux galeries fait l’objet d’un classement au titre des monuments historiques depuis le 14 septembre 1975. Les façades et toitures de la tour-pigeonnier font l’objet d’une inscription au titre des monuments historiques depuis le 10 avril 1989.

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Simone Demangel, propriétaire du château d’Assas, grande résistante bien connue des habitants de la région pour son civisme et ses actions au sein du conseil municipal de Montpellier, fait l’acquisition en 1965 d’un clavecin français du XVIII^ème siècle attribué au facteur lyonnais Donzelague.

Il s’agit d’un des plus beaux spécimens de la facture instrumentale française, grâce auquel Simone Demangel sût créer à Assas une ambiance favorable à la culture et aux échanges artistiques, faisant de sa maison un des hauts lieux de la musique baroque. Les grands clavecinistes deviendront alors des habitués d’Assas, Scott Ross, Gustav Leonhardt, William Christie, Kenneth Gilbert, Pierre Hantaï, Frédérick Haas, Benjamin Alard, Jean Rondeau…

C’est le 12 août 1969 que Scott Ross, jeune claveciniste surdoué alors inconnu du public, donnait son premier récital au château d’Assas, ouvrant la voie à cinquante années de vie musicale intense où récitals, enregistrements et masterclasses se succédèrent. Ainsi, de nombreux étudiants européens, américains ou japonais participeront à la création des premières Académies Internationales de Musique Ancienne en Occitanie. (Source : lefestival.eu)

Bien entendu, tous les concerts seront captés en audio et vidéo par les équipes de France Musique !

Un avant-goût avec ma sonate fétiche de Scarlatti, la K 141 (K comme Kirkpatrick) :

D’abord avec Scott Ross :

Puis dans un tout autre tempo – ce qui prouve, s’il en était besoin, l’extraordinaire liberté, la fantaisie inépuisable du compositeur…et de l’interpète ! – Jean Rondeau

Et comme c’est « le » bis favori de Martha Argerich…

Scarlatti au piano, c’est un autre sujet ! On y reviendra !

Mozart à Versailles

La programmation musicale de Laurent Brunner au château de Versailles est tellement riche qu’on voudrait être chaque semaine présent soit à l’Opéra royal, soit dans la Chapelle royale.

Tout occupé à préparer mon rendez-vous avec le public de Montpellier vendredi soir (voir une partie de la programmation 2018 dévoilée), j’ai failli manquer le rendez-vous que nous donnait ce week-end Raphael Pichon avec Mozart à Versailles.

Un programme bateau ? Oui si l’on considère que le Requiem de Mozart est l’assurance d’une salle comble mais c’est sans compter sur le chef et animateur de l’ensemble Pygmalion : Raphael Pichon ne sait pas faire dans le banal. C’est déjà ce que j’écrivais il y a plus de deux ans en évoquant le disque qui rassemblait la soprano Sabine Devieilhe et celui dont elle partage la vie :

La jeune célébrité, l’envol prodigieux de la carrière de Sabine Devieilheauraient pu conduire le producteur du disque comme la soprano à graver un disque de grands airs de Mozart, un de plus. Succès de vente assuré…

La chanteuse et ses partenaires, les musiciens de l’ensemble Pygmalion et leur exceptionnel animateur (au premier sens du terme, celui qui en est l’âme), Raphaël Pichon, en ont décidé autrement, et l’expliquent avec une clarté, une simplicité d’évidence, dans le riche et remarquable livret de cet épais CD cartonné.Ils nous racontent une histoire, font de la musicologie enfin vivante : celle d’une relation amoureuse, de passions successives et inspiratrices de Mozart pour des soeurs nées musiciennes, les filles de Fridolin Weber de Mannheim (par ailleurs cousines du fondateur du romantisme musical allemand, le compositeur Carl Maria von Weber).

Comme le rappelle Raphaël Pichon, « il y avait Aloysia Weber. Mozart en fut amoureux et composa pour elle plusieurs pages bouleversantes. Il y avait aussi Konstanze, la petite sœur d’Aloysia, que Mozart épousa en 1782. Il y avait enfin Josepha, l’aînée de la famille, pour qui le compositeur écrivit le rôle de la Reine de la nuit dans La Flûte enchantée. Ce programme reconstitue l’ambiance dans laquelle évoluait Mozart entre ses passions amoureuses et ses passions musicales. Il nous rappelle qu’un concert, au XVIIIe siècle, n’avait rien à voir avec un concert d’aujourd’hui. Les soirées étaient longues, faites d’œuvres diverses rarement données intégralement, et on ponctuait les improvisations de collations et autres libations. Des concerts vécus comme des fêtes ! »

71n6m21qcvl-_sl1437_ Malheureusement, Sabine Devieilhe annoncée hier soir a dû déclarer forfait pour cause de cordes vocales grippées. Mais Raphael Pichon, ses choristes et ses musiciens n’ont pas failli à leur réputation. Avec eux, c’est toujours comme si on redécouvrait, d’une oreille débarrassée de ses confortables habitudes, des partitions pourtant si familières, mais rien n’est jamais fait pour l’épate, l’esbroufe.

Un programme mêlant le Miserere d’Allegri, des musiques maçonniques de Haydn et Mozart avant le Requiem.

Réussite longuement applaudie. Et l’espoir d’une captation bientôt disponible ?

Châteaux des Carpathes

Il y a dix jours, je quittais à regret une ville – Brașov– et un pays – la Roumanie – que, quarante-quatre ans après un premier voyage, j’ai redécouverts avec passion.

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Le Château des Carpathes est un roman de Jules Verne dont je ne connaissais que le titre.

L’opéra qu’en a tiré Philippe Hersant m’est plus familier. Créé au Festival Radio France le 1er août 1992, l’ouvrage a beaucoup contribué à la reconnaissance et à la notoriété du compositeur français, qui s’est frayé une voie originale et singulière dans un paysage de musique contemporaine largement dominé par Boulez et ses disciples.

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Quand on prend le temps de parcourir les paysages contrastés, montagnes couvertes de forêts profondes, vallées sinueuses, du massif des Carpathes en Roumanie (et en partie en Bulgarie), ce que j’ai eu la chance de faire à quatre reprises en quarante ans, on comprend que Jules Verne, Bram Stoker (Dracula) y aient puisé inspiration et installé des personnages fantasmatiques.

C’est bien dans ces régions montagneuses du centre et du nord de la Roumanie, partagées entre Transylvanie, Moldavie, Bucovine, qu’on perçoit le mieux la richesse – et le poids – d’une histoire mouvementée, le mélange de cultures, de langues (allemand, hongrois, roumain, russe), le brassage des religions, qui font la singularité de cette région d’Europe.

Des photos, des images de ce parcours estival :

Cliquer sur les liens Brasov la ville couronnée

Châteaux des Carpathes : Pelisor

Châteaux des Carpathes : la résidence royale de Peles

L’horreur Dracula

Le monastère de Bistrita

Piatra Neamt

Secu hors du temps

L’ermitage de Sihastria

Les Immortelles d’Agapia

La citadelle de Neamt

Le monastère de Varatec

L’imposture et l’Histoire

De loin, et même de près, ça ressemble à Disneyland. Ils sont venus visiter une résidence royale, l’une de ces forteresses qui se dressent dans toute la Transylvanie ? Non ils affluent, par centaines de cars, pour voir le château de Dracula. C’est une imposture, mais ça marche ! Récit et photos : L’horreur Dracula

Pourtant, discrètement, à l’écart du flot de touristes et des échoppes d’objets artisanaux, un autre musée, tout simple, s’offre au visiteur : Un village reconstitué d’authentiques fermettes, maisons, pressoir, atelier ou étable. L’histoire authentique d’une région s’y découvre, et c’est simplement beau.

Comme une réplique, en modèle réduit mais non moins intéressant, du Musée du Village roumain à Bucarest, qu’a visité Emmanuel Macron.

Autre étape beaucoup plus intéressante, à mi-chemin entre Bran et Brasov, la forteresse de Râșnov. Bien restaurée, ouverte au public récemment. Une partie de l’histoire mouvementée de cette région s’y exprime.

Des châteaux en Suède

Juste avant de partir, j’ai acheté cette élégante réédition en livre de poche, par son fils Denis Westhoff, des Chroniques (près d’une centaine) écrites par Françoise Sagan de 1954 à 2003

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Sagan auteur par ailleurs d’une pièce de théâtre intitulée Château en Suède, qui ne m’a pas laissé un souvenir impérissable lorsque je l’ai vue au Théâtre Saint Georges en 1998.

La Suède, j’y suis jusqu’au passage de l’an neuf. Stockholm plus précisément. Je me rappelais Helsinki en décembre 2005, Saint-Petersbourg fin décembre 2013. Et je pensais n’être pas déçu en choisissant la capitale du Royaume de Suède pour cette fin 2016. Ce que j’ai vu en vingt-quatre heures me conforte dans mon choix. Le froid est vif, surtout lorsque le vent s’y met comme hier, le soleil ne pointe qu’entre 10h30 et 14 h, mais on s’y sent tout de suite bien. La réputation des Suédois n’est pas usurpée.

D’autres images ici : La capitale du prix Nobel

La programmation de l’Opéra royal de Stockholm (ci-dessus) a joué aussi dans mon choix. Première soirée hier, et première tout court pour moi, je n’avais encore jamais vu sur scène l’ouvrage le plus connu de Giordano, Fedora. Mise en scène intelligente de Christof Loy, une distribution parfaite, d’excellents chanteurs tous suédois, à l’exception des deux rôles principaux magnifiquement tenus par la jeune Lituanienne Asmik Grigorian (Fedora)- voix puissante et sensuelle à la fois – et le non moins jeune Italien Andrea Carè (Loris) – charme solaire et beauté du timbre – qu’on avait déjà entendu le 26 juillet dernier à Montpellier dans Iris de Mascagni, aux côtés de Sonya Yoncheva.

Pour conclure, je ne bouderai pas mon (votre ?) plaisir avec le fameux intermezzo de Fedora (ici dans la version d’un autre orchestre suédois, celui de Göteborg, dirigé par Neeme Järvi)

Lisboa meu amor

Je n’étais pas revenu au Portugal depuis le printemps 2000 – une courte semaine à Lisbonne et dans l’Algarve – De Lisbonne je n’avais qu’un vague et sympathique souvenir.

Quel changement spectaculaire en seize ans !

Heureusement que mon premier chauffeur de taxi m’avait dit que le flot des touristes et l’extrême chaleur de l’été avaient maintenant cessé… Ce week-end le thermomètre a allègrement franchi les 30°, quant aux touristes, j’ai eu plus d’une fois l’impression d’être cerné par la foule. Essentiellement francophone. Lisbonne serait-elle devenue la dernière destination à la mode ? Il faut croire que oui…

Je reviens ébloui de ces quatre jours dans la capitale portugaise et ses environs. Pas seulement par la beauté des villes et des sites, mais aussi par le sentiment de prospérité, de dynamisme, qui saute aux yeux de l’étranger qui débarque, informé (intoxiqué ?) par les médias d’une situation économique critique au regard des critères européens… Qui dit vrai ?

D’autres photos suivront, une fois sélectionnées parmi quelques centaines prises dans les multiples coins, recoins, ruelles, escaliers de cette ville aux mille visages. Et de Sintra et Queluz, royales et romantiques.

Des images spectaculaires ou étonnantes à voir ici :

Extrême Occident

Le Gotha à Disneyland

Au service de Sa Majesté

Les 90 ans d’Elizabeth d’Angleterre promettaient une actualité souriante. Et voici le monde entier plongé dans l’affliction : Prince meurt le jour de la Reine, la coïncidence (un complot ?) est troublante. L’histoire se répète (https://jeanpierrerousseaublog.com/2016/01/11/la-dictature-de-lemotion/). Désolé de ne pas participer à l’émotion générale et de sourire à ce détournement d’image :

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Hier donc j’évoquais le rapport de la souveraine britannique avec le monde de la musique (https://jeanpierrerousseaublog.com/2016/04/21/la-reine-et-la-musique/). De la même manière qu’elle a connu tous les chefs d’Etat, et grands personnages du monde, la longévité de son règne a permis à Elizabeth de connaître une incomparable galerie de compositeurs et de musiciens. Elle a perpétué une tradition semi-millénaire : les Maîtres de Musique de la Reine (ou du Roi).

Depuis deux ans, c’est une femme, la compositrice Judith Weir (1954) qui occupe cette fonction plus honorifique que réelle.

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Sur cette photo, on aperçoit au milieu le prédécesseur de Judith Weir dans la fonction, Peter Maxwell Davies, l’un des grands noms de la musique anglaise – comme tant d’autres méconnu sinon ignoré sur le continent – disparu récemment, le 14 mars dernier.

Remontant le XXème siècle à rebours, on ne trouve pas que des éminences dans la liste de ces Maîtres de musique. J’avoue n’avoir jamais entendu une note du dénommé Malcolm Williamson (1931-2003), Australien nommé à ce poste en 1975 à la surprise générale, et vite tombé en disgrâce parce qu’incapable d’achever la Jubilee Symphony que le Palais lui avait commandée pour le jubilé d’argent de la reine en 1977.

Ce n’est pas à Arthur Bliss (1891-1975) que pareille mésaventure serait arrivée. Nommé à la prestigieuse fonction en 1953, après avoir écrit the Processional for the Coronation – pour la cérémonie de couronnement d’Elizabeth, il a le temps d’achever sa dernière oeuvre, la cantate Shield of Faith, pour célébrer les 500 ans de la Chapelle Saint-Georges du château de Windsor.

Arthur Bliss est un original à tous les sens du terme, son oeuvre mérite vraiment une écoute attentive et curieuse. Je conseille un excellent coffret de la série British Composers, naguère EMI, aujourd’hui Warner

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Le prédécesseur de Bliss, Arnold Bax (1893-1953) est tout aussi passionnant. Il est certes l’auteur de la Marche du Couronnement de 1953, mais surtout de poèmes symphoniques et de symphonies qui respirent large les vastes espaces marins, comme ce magnifique Tintagel (https://fr.wikipedia.org/wiki/Château_de_Tintagel)

C’est au très grand chef Vernon Handley (1930-2008) qu’on doit la meilleure intégrale symphonique de Bax, à découvrir et écouter sans modération !

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https://www.youtube.com/watch?v=PTmtNU8NEn4

Tripatouillage royal

Depuis que les Harnoncourt, Leonhardt, Brüggen nous ont appris à revenir aux sources de la musique, à une approche « historiquement informée » du répertoire du passé, on s’est fait à l’idée d’une certaine authenticité, voire d’une certaine pureté originelle de ces grandes partitions baroques ou classiques. Ne lit-on pas couramment que ces grands interprètes défricheurs ont débarrassé ces oeuvres de leurs « scories », qu’ils les ont nettoyées de l’empois de la tradition ?

Et puis voilà qu’hier on découvrait – dois-je rappeler ici que je ne suis pas musicologue, ni spécialiste ? on ne m’en voudra pas, je l’espère, d’une certaine naïveté ! – qu’on se moquait bien du respect des partitions originales, quand il s’agissait en fonction des circonstances, de transformer, ajouter, retrancher, adapter au goût du jour, ces mêmes partitions. On a donc entendu, à l’Opéra royal du château de Versailles, une version très particulière de l’opéra de Lully, Persée.

Benoît Dratwicki n’eût pas donné quelques explications au début du concert, il est bien probable que l’essentiel de l’assistance très versaillaise n’eût pas remarqué ni la mention version 1770, ni que le surintendant de la musique de Louis XIV, le grand Jean-Baptiste Lully, était mort de sa belle mort en 1687, soit 83 ans plus tôt !

Car, contrairement à l’idée qu’on peut s’en faire aujourd’hui, aucune oeuvre, surtout donnée avec succès, n’était considérée comme intouchable. « Le patrimoine …est maintenu au goût du jour par des retouches musicales et poétiques de plus en plus importantes… Dès le milieu des années 1700, l’habitude est prise de retrancher ou d’ajouter des airs, après 1750 ces remaniements deviennent beaucoup plus systématiques, au point que certains auteurs y consacrent une bonne partie de leur temps et perçoivent une rémunération spécifique pour « mettre à jour les opéras anciens » (Benoît Dratwicki).

Le Persée représenté, pour l’inauguration de l’Opéra royal en 1770, à l’occasion du mariage du futur Louis XVI et de l’archiduchesse Marie-Antoinette d’Autriche, n’a plus grand chose à voir avec celui de la création en 1682. Dès 1768, Antoine Dauvergne, Bernard de Bury, François Rebel, tous musiciens appointés à la Cour, ont entrepris de profonds remaniements, tandis que le secrétaire de l’Académie royale de Musique, Nicolas Joliveau « adapte » le livret original de Quinault.

Bref, on a entendu hier une sorte d’OVNI musical, comme un remix de Lully, Rameau, Gluck, Haydn. Tout cela n’était pas pour déplaire au maître d’oeuvre de cette résurrection – qui fera l’objet d’un CD chez Alpha – l’éternel curieux et gourmand Hervé Niquet, et à sa fantastique équipe – choeur et orchestre – du Concert spirituel , rejointe par 11 jeunes solistes caméléons capables de se prêter à toutes les variations stylistiques d’une partition aussi composite (http://www.chateauversailles-spectacles.fr/spectacles/2016/lully-persee-version-1770).

Mon Pays de France

J’ai découvert hier que je vivais tout près de la France. Et ce n’est pas une blague !

Français je savais, quoique de sang mêlé. La France aussi, l’une de mes deux nationalités. Mais je vous assure que ce n’est qu’en ce dimanche de Toussaint que j’ai su ce qu’était cette France de Roissy-en-France (ce n’est pas un coup de pub d’Aéroports de Paris, le village existait, avec ce nom, bien avant Roissy-Charles-de-Gaulle !) : http://lemondenimages.me/2015/11/01/le-pays-de-france/

C’est de la terrasse d’entrée du Château d’Ecouen qu’on a une vue panoramique sur ce Pays de France ou Plaine de France.

Extrait de l’excellente notice Wikipedia sur : https://fr.wikipedia.org/wiki/Pays_de_France

La Plaine de France fait partie du premier domaine royal capétien dès le XIIème siècle. Sa situation à proximité immédiate de la capitale l’a placée très tôt en situation de dépendance économique vis-à-vis de Paris. Sous l’Ancien Régile, grâce à la fertilité de ses sols, recouverts d’une épaisse couche de limons, elle approvisionne la capitale en denrées alimentaires (céréales, pains de Gonesse…). C’est aussi, pour ces raisons, une terre convoitée, et les fiefs sont érigés dès le XII^e siècle. Les grandes abbayes de Paris et de sa région possèdent un très grand nombre de terres agricoles. Outre l’abbaye de Saint-Denis au début du Moyen Âge, l’abbaye de Chaalis fait installer trois granges céréalières de très grande taille dans le courant du XIIème siècle qu’elle exploite en direct à l’aide de ses moines convers. Stains à Villeneuve-sous-Dammartin, Choisy-aux-Bœufs à Vémars et Vaulerent à Veilleront dépassent toutes les 200 ha dès cette époque et font l’objet d’une exploitation intensive et moderne.

Dès le X^e siècle et jusqu’au XVII^e siècle, c’est la puissante Maison de Montmorency qui règne sur la plus grande partie de la Plaine de France. Les Ducs de Montmorency successifs feront construire de nombreux châteaux et places fortes, tels que le château d’Écouen qui date du XVI^e siècle. C’est à la Renaissance que ce territoire prend tout son essor.

Depuis 1977, le château du connétable Anne de Montmorency est le siège du Musée national de la Renaissance. Le parc qui l’entoure est une merveille à l’automne, mais ce que n’indique aucune notice et qu’on constate à profusion durant une visite, c’est que le château est dans un couloir d’atterrissage de l’aéroport de Roissy tout proche… Saisissant contraste entre le contenu du château et son environnement !

J’ignore qui a conçu l’aménagement et la muséographie de ce Musée national de la Renaissance, mais il est évident que rien n’a évolué depuis quarante ans et que tout fait terriblement daté. Aucune logique apparente dans les salles d’exposition, la plupart organisées par thèmes (les tissus, les cuirs, les céramiques, l’orfèvrerie, etc.) d’où une accumulation d’objets souvent de grande valeur historique ou artistique mais que même un oeil exercé finit par ne plus pouvoir regarder. Comme le château montre encore des pièces qu’ont habitées Louise de Savoie ou Catherine de Médicis, le visiteur est fondé à croire que le mobilier, les peintures, les cheminées monumentales, voire les tapisseries et autres objets qui s’y trouvent appartiennent au château… Alors que la quasi-totalité de ce qui est exposé a été apporté ici – au moment de la constitution du musée – provenant d’autres musées ou collections.

Les repères chronologiques échappent à celui qui n’a pris la précaution de lire intégralement les plaquettes disposées à l’entrée de chaque salle.

Même les expositions temporaires (actuellement sur Louise de Savoie, mère de François Ier) sont présentées comme on n’oserait plus le faire dans des musées plus récents : de grands panneaux didactiques, beaucoup de texte, peu d’illustrations, encore moins de vidéos.

Et comble du mauvais goût, les panneaux indicateurs placés à l’entrée du domaine, en bleu vif, genre mobilier urbain eighties en alu premier prix !