Nous avons, chacun, nos souvenirs de Noël. Ceux de mon enfance sont liés à l’odeur du sapin installé dans le salon de la maison familiale de Poitiers, des bougies allumées et aux disques que mes parents mettaient sur le tourne-disque : des carols anglais ou américains
et surtout un disque produit par la chorale de l’église d’Entlebuch, le berceau suisse de la famille de ma mère !
Arrivait alors, inévitablement, en allemand – je serais incapable de le chanter en français, même aujourd’hui ! – le célèbre chant de Noël : Stille Nacht / Douce nuit.
Ce chant a, aujourd’hui, exactement 200 ans : c’est le 24 décembre 1818 que les fidèles de l’église d’Oberndorf, près de Salzbourg,l’entonnent, pour la première fois. Franz Xaver Gruberest le maître de chapelle et organiste des lieux, Joseph Mohry officie depuis 1817. Le prêtre écrit les paroles, l’organiste la musique, de ce qui va devenir l’un des premiers « tubes » de Noël !
France Musique et Arte ont consacré de belles émissions à ce chant de Noël et à ce qu’il peut signifier pour le monde d’aujourd’hui…
Stille Nacht! Heilige Nacht! Alles schläft. Eynsam wacht Nur das traute heilige Paar. Holder Knab’ im lockigten Haar, ‘Schlafe in himmlischer Ruh!’
Stille Nacht! Heilige Nacht! Gottes Sohn! O! wie lacht Lieb’ aus deinem göttlichen Mund, Da uns schlägt die rettende Stund’. ‘Jesus! in deiner Geburt!’
Stille Nacht! Heilige Nacht! Die der Welt Heil gebracht, Aus des Himmels goldenen Höh’n Uns der Gnaden Fülle läßt seh’n ‘Jesum in Menschengestalt!’
Stille Nacht! Heilige Nacht! Wo sich heut alle Macht Väterlicher Liebe ergoß Und als Bruder huldvoll umschloß ‘Jesus die Völker der Welt!’
Stille Nacht!…
Une version moins consensuelle de Stille Nacht, celle du compositeur russe Alfred Schnittke
Encore un parfait petit livre à offrir, dans cette épatante collection du Mercure de France, Le goût de… (format de poche, 8 €)
Nul besoin d’apprendre à en tirer des sons, il suffit d’en effleurer les touches pour qu’il se mette à chanter. Juste. En cela, le piano se distingue des autres instruments. Ses quatre-vingt-huit touches, offertes en un regard, suggèrent toutes les combinaisons possibles, innombrables, passées et à venir, de la musique occidentale. Complet, imposant, solitaire, le piano est l’instrument du virtuose et l’outil du chef d’orchestre, capable de condenser toute la complexité d’un opéra, d’une symphonie. Le piano fascine, et pas seulement les musiciens : Flaubert, Fontane, Feydeau, comme Tolstoï, Zola, Sand ou Verlaine ont composé non pas pour, mais sur et avec lui. Interprètes et compositeurs eux-mêmes ont cédé au plaisir d’en parler. Mozart d’abord, puis Berlioz, Schumann, Liszt et bien d’autres encore. Tout le XIXᵉ siècle a résonné de ce nouvel instrument, massif, lascif, magique. Le XXᵉ siècle est resté sous son charme, Vian, Sagan, Colette ou Duras en témoignent. Quant aux écrivains du XXlᵉ siècle, tels Echenoz ou Barnes, ils continuent à en porter l’écho. (Présentation de l’éditeur)
Cécile Balavoinea fait un heureux choix de textes, comme le portrait de Debussy par Colette, ou celui de Chostakovitch par Julian Barnes, une lettre de Mozart à son père sur les pianos de Stein à Augsbourg, et tant d’autres signés Tolstoi, Boris Vian, Marguerite Duras, Mörike…
En écho à La Sonate à Kreutzer, la célèbre nouvelle de Tolstoi(citée dans ce livre), une version de la sonate de Beethoven, qui ne laissera pas indifférent.
Ne cherchez plus le cadeau à faire à vos amis, à vos proches. Un petit bijou de malice, d’intelligence et de jeu avec les mots et la musique.
L’anagramme est une porte dérobée. Qui aime les perspectives inattendues, les correspondances insoupçonnées, goûtera les plaisirs de ce jeu consistant à mélanger les lettres d’un mot, d’une expression, en vue de former un nouveau mot, une nouvelle expression. Ici, le plaisir est musical, et notre duo nous entraîne dans une fantaisie sur les musiciens et leurs oeuvres. La Reine de la nuit s’avance tel un grand aigle noir, le col hérissé et la traîne en deuil, la Soirée dans Grenade prend des accents de sérénade grandiose, et, au loin, un versant de dune nous offre sa danse du ventre.
Un air enfoui monte dans le soir, une petite musique de nuit dont la quiétude est un peu intime. Lully, Bach, Chopin, Debussy, Satie… Mais aussi l’esprit du tango et de la valse. Mais encore Bill Evans, Alice Cooper, Portishead. Chacun pourra picorer ça et là, selon sa mélomanie…
Voilà comment l’éditeur présente ce formidable petit bouquin ! Ses deux auteurs ?
et Jacques Perry-Salkow, pianiste de jazz, obsédé/passionné de litterature « contrainte » (quel bel euphémisme !), qui n’en est pas à son coup d’essai !
On se régale, on rit de bon coeur, on est parfois épaté par les trouvailles de ces deux garnements.
Et on aime quand la pure poésie naît d’une anagramme :
La vie en rose : Si on l’a rêvée
Brel, ne me quitte pas : Le temps qui t’a berné
Les moulins de mon coeur : Comme son roulis de lune
Prélude à l’après-midi d’un faune : Un parfum de paradis endeuillé
et celle-ci encore :
Francis Poulenc, Dialogues des Carmélites : Fracas sec, minéral, des coups de guillotine
Cadeau aussi, cette version de La vie en rose qui me rappelle un grand moment – le soir de la finale de la Coupe du monde ! le 15 juillet 2018 – du dernier Festival Radio France
Une devinette pour finir : de quel célèbre roman le titre de ce billet est-il l’anagramme ?
C’est à Emmanuel Chabrier qu’on doit cette flèche célèbre : « Il y a deux espèces de musique, la bonne et la mauvaise. Et puis il y a la musique d’Ambroise Thomas ».
Tous les compositeurs ne sont pas égaux au tribunal de la postérité. Ambroise Thomas tente de sortir du purgatoire où l’avait consigné un mot assassin de Chabrier. L’occasion à Paris n’est pas si fréquente. Pour ne pas laisser passer une nouvelle fois la chance, l’Opéra Comique a mis les bouchées doubles : un chef convaincu par ce répertoire qui au moment des saluts brandit la partition d’Hamlet en un geste justicier, certains de nos meilleurs chanteurs français et, comme si ce n’était pas assez, un metteur en scène cinéaste – Cyril Teste – invité avec ses techniciens et ses caméras. Qui osera ensuite dire Thomas ringard ?
Un « chef convaincu », et diablement convaincant, je peux l’attester ! J’avais déjà eu la chance de voir la production de Covent Garden en 2003, Louis Langrée y dirigeait un bouleversant Simon Keenlyside et une époustouflante Natalie Dessay.
Impossible de rêver mieux : Stéphane Degout que j’avais vraiment découvert lors d’une semaine que France Musique avait passée à l’Opéra de Lyon à l’automne 1998, parmi toute une ribambelle de chanteurs qui ont, depuis, tous fait un magnifique parcours (Stéphanie d’Oustrac, Karine Deshayes…) – semaine qui s’était achevée par la production inaugurale du – bref – mandat de Louis Langrée, Ariane et Barbe-Bleue de Dukas, avec Françoise Pollet dans le rôle-titre ! – Stéphane Degout donc, que j’avais invité pour un récital à Liège en 2003 ou 2004, dont j’ai suivi le fabuleux parcours grâce aux réseaux sociaux, mais que je n’avais pas vu ni entendu en scène depuis longtemps. Quel acteur, quel admirable chanteur – rondeur, chaleur du timbre, puissance et homogénéité sur toute la tessiture, diction absolument parfaite -, il est Hamlet !
Tout comme Sabine Devieilhe est Ophélie. Follement applaudie au IVème acte, elle se joue de toutes les difficultés de son grand air, où la seule virtuosité ne suffirait pas à rendre justice au personnage, elle émeut jusqu’aux larmes.
Toute la distribution est admirable : Sylvie Brunet-Grupposo en reine Gertrude fait plus d’une fois penser à Rita Gorr, les hommes – Laurent Alvaro, Julien Behr, Jérôme Varnier (formidable Spectre), Kevin Amiel, Yohann Dubruque, Nicolas Legoux – sont tous à saluer ! Il faut évidemment applaudir le choeur Les Eléments, habitués des lieux, toujours si bien préparés par Joël Suhubiette.
Dans la fosse, une formation qui, décidément, prend goût au répertoire lyrique et au travail avec Louis Langrée, puisque, sauf erreur de ma part, c’est leur troisième collaboration sur un opéra (après Pelléas et Mélisande et Le Comte Ory) : l’Orchestre des Champs-Elysées et ses solistes si sollicités (le trombone solo!) se couvrent de gloire. La balance fosse-scène est idéale, dans cette salle si sonore, Louis Langrée révèle toutes les richesses de la partition, en évitant surcharge et grandiloquence, pour se concentrer sur le drame, le théâtre, l’humanité des personnages.
A l’entracte, les sentiments étaient mélangés sur la mise en scène de Cyril Teste. Moi j’ai marché, le recours à la vidéo, qui peut vite tourner au procédé, m’a semblé ici parfaitement coller au propos, à l’intemporalité du drame shakespearien. Belle direction d’acteurs, pas de gadget superflu.
Longue, très longue ovation finale pour tous les protagonistes d’une production qui restera dans les annales de l’Opéra comique !
Le spectacle doit être capté par MediciTv et Mezzo, il sera diffusé sur France Musique le 6 janvier 2019. A ne pas manquer, pour ceux qui n’auraient pas la chance de le voir d’ici le 29 décembre.
Côté people, c’était assez amusant de constater la présence de pas mal d’ex, un ex-directeur de l’Opéra comique, une ex-directrice de la Danse de l’Opéra, une ex-ministre de la Culture faisant la bise à un ex-PDG de Radio France, pas rancunier, que j’ai eu plaisir à revoir et à féliciter pour sa nouvelle activité (Majelan, la plate-forme de podcasts de Mathieu Gallet).
un souvenir plutôt amusant d’une cérémonie très officielle, complètement foutraque dans son (in)organisation !
L’inauguration de la Maison ronde
Le général de Gaulle a inauguré, le 14 décembre 1963, la Maison de la radio.
Charles Munchl’inaugure musicalement, avec l’Orchestre National, le 20 décembre suivant.
Trente ans après
Je ne sais pas pourquoi on a décidé d’organiser une grande célébration trente ans après cette inauguration. Une idée du PDG de l’époque, Jean Maheu ? Le 14 octobre 1993, toute la maison est sur le pied de guerre pour accueillir, en grande pompe, le Premier ministre Edouard Balladur, et accessoirement l’architecte de la Maison ronde, Henry Bernard(qui décèdera en 1994).
Dirigeants et cadres de la maison s’attendent à recevoir des instructions très précises quant à leur place protocolaire, leur rôle dans le déroulement de la manifestation, bref un « qui fait quoi ? » classique dans ce genre d’événements. Le Premier ministre doit être accueilli à l’entrée principale, puis conduit au studio 103 (qui a laissé la place à l’actuel Auditorium) où des discours vont être prononcés.
Un joyeux désordre
Nous sommes censés former une sorte de haie d’honneur dans le hall de la Maison de la radio, éventuellement pour être présentés à M. Balladur. Le jour dit, contrairement à ce qui nous a été indiqué verbalement (et rappelé par le PDG en réunion de direction), ce n’est pas une haie ordonnée, mais un attroupement qui attend l’hôte de Matignon, où se mêlent personnels de Radio France, journalistes, invités extérieurs, dans un désordre et un brouhaha bien peu officiels. Jean Maheu ne semble pas encore descendu de son bureau du 4ème étage, et l’on voit Hervé Bourges, ex-PDG d’Antenne 2 et France 3, se placer à l’entrée de la maison. C’est lui qui va accueillir Edouard Balladur à sa descente de voiture, Jean Maheu restant inexplicablement en retrait ! Point de présentations, tout le monde s’engouffre, dans le même désordre, dans le studio 103. Les chaises sont prises d’assaut, sans aucun respect des consignes de placement. Je reste pour ma part debout à l’entrée du studio, d’où j’ai d’ailleurs une vue panoramique sur l’assistance et le pupitre où vont être prononcés les discours.
J’assiste, de plus en plus navré (comme la plupart de mes collègues), à la prestation du PDG, dont on savait déjà qu’il n’était pas un orateur-né. Impressionné sans doute par la circonstance, courbé sur son pupitre devant son hôte illustre, il dit son discours au ralenti, et d’une voix de moins en moins assurée, au point de finir presque inaudible. Son propos paraît interminable, pourtant celui qui a publié trois recueils de poésie a dû longuement y travailler…
On a perdu le Premier ministre
Edouard Balladur prend ensuite la parole. Le discours est plus concis et convenu (lire ici). Je sais que la visite du Premier ministre doit se poursuivre au studio 104 où l’Orchestre philharmonique de Radio France répète sous la direction d’un prestigieux invité, Yehudi Menuhin. Mais à la fin du discours de Balladur, rien ne se passe, les gens se lèvent, se jettent sur les buffets dressés dans le 103, tous, à commencer par le PDG de Radio France, semblent avoir oublié la feuille de route de la visite ministérielle. C’est alors que deux membres de l’escorte du Premier ministre m’avisent, près de la porte du studio : « Que fait-on maintenant ? »
Jean Maheu, Claude Samuel (le directeur de la musique), les responsables de l’accueil et du protocole de la maison sont introuvables. Edouard Balladur manifeste une certaine impatience. Sa suite m’enjoint de le conduire au studio 104.
Lorsque nous y arrivons, l’orchestre s’interrompt, comme prévu, le Premier ministre vient saluer chaleureusement et échanger quelques mots avec Yehudi Menuhin. Etrange situation, dont je suis le seul témoin (pas de micro, ni d’appareil photo à disposition !) Tandis que l’échange prend fin, brouhaha au fond du studio. On voit débouler, cheveux et costume en bataille, Jean Maheu, Claude Samuel et d’autres à leur suite. Le PDG se confond en plates excuses pour ce manquement à ses plus élémentaires devoirs protocolaires et, proposant à son hôte de le raccompagner, s’entend répondre par un Edouard Balladur plus pincé que jamais : « Ne vous donnez pas cette peine, je trouverai la sortie tout seul » Les collaborateurs du Premier ministre me saluent et me remercient, et se dépêchent de quitter les lieux…
Ils n’ont en commun que leur proximité sur les rayons des disquaires en cette fin d’année. Deux chefs, deux générations, et des visions aussi éloignées que possible des répertoires qu’ils ont l’un et l’autre abordés.
J’ai eu la chance de voir une fois Sergiu Celibidache (1912-1996 / prononcer : Tché-li-bi-da-ké) en répétition et en concert à Lucerne en 1974 (La découverte de la musique). Impressionnant.
A l’époque où Karajan, Bernstein, Maazel enregistraient à tour de bras, Celibidache faisait figure d’exception, en refusant le studio. C’est dire si lorsque, au mitan des années 2000, EMI commença à éditer, avec l’accord du fils du chef d’orchestre, les bandes radio des concerts captés avec l’orchestre philharmonique de Munich, ce fut vécu comme un événement. Puis cet héritage fut regroupé en plusieurs coffrets, et voici que Warner propose la totalité de ces publications en un seul boîtier élégant et bon marché.
Je suis personnellement beaucoup revenu de l’excitation éprouvée à découvrir ces enregistrements à leur publication. Certes le travail d’orchestre est admirable – c’est peu dire que Celibidache se montrait tout aussi passionnant qu’intraitable en répétition, comme on peut le voir ci-dessous -, certes l’invraisemblable étirement des tempi peut séduire dans Bruckner ou Les Tableaux d’une exposition. Mais c’est souvent insupportable dans des oeuvres qui devraient pétiller, bouger, avancer (les classiques Haydn, Beethoven, les ouvertures de Rossini, Mendelssohn, etc.)
Autre chef à l’honneur en cette veille de Noël, Riccardo Chailly, 65 ans cette année.
Un copieux coffret de 55 CD qui reprend la quasi-totalité des enregistrements symphoniques faits pour Decca par le chef italien. A ce prix (moins de 100 €) c’est une aubaine ! Détails à voir ici : Chailly symphonique
Comment exprimer un point de vue sur ce chef ? En concert, comme au disque, je n’ai jamais éprouvé le grand frisson, celui qui vous saisit lorsqu’on a le sentiment d’être en présence d’une interprétation, d’un interprète d’exception, unique, incomparable. Je connais les Beethoven, les Brahms (la 2ème version avec Leipzig), les Mendelssohn, je n’ai jusqu’alors prêté qu’une oreille et un intérêt distraits à ses cycles Mahler ou Bruckner. Je n’ai pas non plus le souvenir que la critique ait été, sauf exceptions, beaucoup plus enthousiaste que moi.
Ravel est à l’honneur en cette fin d’année, pour d’excellentes ou de moins bonnes raisons (voir Le scandale du Boléro). Deux livres retiennent l’attention : le travail colossal de Manuel Cornejopour rassembler et publier la correspondance du compositeur – on y reviendra -,
et la réédition d’un « classique » – paru en 1995 aux éditions Hazan, mais perdu au fil de mes déménagements : les souvenirs collectés par Marcel Marnatde celui qui se présentait comme le seul « élève » de Ravel, le compositeur et chef d’orchestre Manuel Rosenthal
Merci à Thierry Bouchard, directeur de la collection Théodore Balmoral des éditions Fario de nous avoir restitué ce document précieux, précédé d’une introduction inédite de Marcel Marnat.
C’est, d’une part, le Maurice Ravel public et le musicien que dévoilent ces Souvenirs de son élève et ami Manuel Rosenthal : ses compositeurs de prédilection (Mozart, Weber, Schumann, Bellini, Chopin), son souci du monde et sa compassion, ses inclinaisons politiques (il fut proche de Léon Blum), ses amitiés, ses admirations (Rimski-Korsakoff, Puccini, Massenet), sa relation avec ses maîtres ou avec les grands contemporains (Fauré, Debussy, Grieg, Stravinski) et avec les interprètes ou les disciples.
Mais c’est aussi l’intimité de l’homme qui est longuement évoquée, son style de vie, son extrême sensibilité à la beauté des femmes, sa prétendue chasteté et son goût pour l’argot militaire, ses insomnies, ses habitudes alimentaires, son engagement lors de la guerre 14-18, son refus de la Légion d’honneur, son goût pour la langue basque. Il apparaît ici dans sa maison de Montfort-l’Amaury, auprès de sa gouvernante, de ses ami(e)s, ou dans sa solitude de lecteur. Il est enfin et surtout question de l’œuvre, des influences, du théâtre, de la différence entre orchestration et instrumentation… Un chapitre entier est consacré à la Sonate pour violon et piano dont Manuel Rosenthal dit ne pas aimer le « mauvais jazz » du second mouvement et dont Ravel a détruit la première version du Final. Un autre concerne L’Enfant et les sortilèges.
Le livre s’achève par une lettre de Ravel au sujet des déclarations de la « Ligue Nationale pour la Défense de la Musique Française » auxquelles il s’oppose, défendant l’exécution publique des œuvres allemandes et autrichiennes, quand il lui importe peu que « Schönberg soit de nationalité autrichienne ». (Présentation de l’éditeur).
Je n’oublie pas que Manuel Rosenthal était venu spécialement à Liège, le 7 décembre 2000, pour célébrer les 40 ans de l’Orchestre philharmonique – pas encore royal – de Liège. J’évoquerai bientôt le souvenir très fort que j’ai de ce personnage, 90 ans passés, qui racontait à mon fils aîné qui fêtait ce jour-là son vingtième anniversaire ses rencontres avec Gershwin, Kreisler, etc.
« Certaines fractures expliquent sans doute pourquoi notre pays demeure viscéralement attaché à l’égalité. Cet attachement nous distingue de certaines sociétés occidentales. Nous ne sommes pas prêts à tout sacrifier dans la course à la croissance économique ou sur l’autel de l’individualisme. Nous recherchons un mode spécifique de liberté -une autonomie adossée à la solidarité…. Vouloir la France, c’est à mes yeux lutter contre tout ce qui fracture notre pays, le renferme, nous fait courir le risque d’une guerre civile«
« Autour de cette France des métropoles et des grandes agglomérations, existe une France souvent qualifiée de « périphérique« . Le mode de déplacement y est la voiture individuelle, ce qui pose problème d’un point de vue écologique et complique la vie de ses habitants au fur et à mesure que s’allongent les trajets domicile-travail dans des itinéraires de plus en plus chargés…. Cette France périphérique manque souvent d’équipements publics de base, de moyens de transport, de crèches, de lieux culturels. Les conditions d’existence peuvent y être de piètre qualité… On connaît le problème que posent certaines zones pavillonnaires aujourd’hui très dégradées, ou ces zones dans lesquelles avec les entrepôts et les petites entreprises.
Avec Internet, désormais, tout le monde voit tout, commente tout, se compare avec le reste de la planète. Cela donne le sentiment libérateur que tout est possible. Cela nourrit en même temps les névroses et révèle avec cruauté les injustices sociales, les différences de niveau de vie. Cela montre aux plus pauvres le style de vie des plus riches, ce qui nourrit la frustration, voire la révolte«
Le Point de cette semaine a eu la bonne idée, sous la plume de Saïd Mahrane, de revenir aux sources, de relire l’ouvrage fondateur d’une aventure politique inédite. Oui, les lignes ci-dessus sont tirées de Révolution, un livre publié le 24 novembre 2016 et signé d’un ex-ministre de l’Economie qui allait devenir le 7 mai 2017 le huitième et le plus jeune président de la Vème République, Emmanuel Macron.
Et le journaliste d’ajouter, parlant du candidat qu’il avait rencontré après la publication de ce manifeste : « Il était convaincant et précis dans ses analyses. Même s’il affichait une grande inquiétude pour les quartiers, il n’oubliait pas la France dite périphérique et des campagnes. Il parlait « d’insécurité culturelle, économique et sociale » …. »Comment expliquer, dès lors, que le même homme passe aujourd’hui pour un président arrogant et méprisant, qui ne connaît rien de ces réalités » ?
Nous avons été abreuvés de toutes sortes d’analyses sur l’origine, les motivations de ce mouvement des Gilets jaunes. Ce qu’on a beaucoup vu et entendu, c’est l’expression d’une déception, ou pire d’une détestation, voire d’une haine, à l’endroit du président de la République. Même ceux qui crient « Macron démission ! » savent bien que cela n’a aucune chance de se produire, et ne résoudrait aucun des problèmes. Ce sont souvent les mêmes qui attendent tout de l’allocution que ce même président va prononcer ce lundi soir !
Cela ressemble, à s’y méprendre, à un grand désamour. Ils étaient nombreux – une majorité d’électeurs en tout cas – à croire à ce jeune président qui avait si bien analysé les maux de la France et des Français et qui s’engageait à les résoudre enfin. Dix-huit mois plus tard, ils le honnissent et lui reprochent tout, ce qui a été fait comme ce qui ne l’a pas été.
L’article du Point se conclut ainsi : Que le président relise, et vite, le candidat!
On me taxera (le mot est à la mode !) d’incorrigible optimisme, de douce rêverie, si, à la veille d’une journée qu’on ne cesse de nous présenter comme celle de tous les dangers, j’ose en appeler à la fraternité, me mettant dans les pas, les vers et les notes de Schiller et Beethoven.
Souvenez-vous, c’était aux accents de la 9ème symphoniede Beethoven, que le président de la République tout juste élu était venu saluer la foule qui se pressait dans la cour du Louvre. Les accents seulement, les paroles manquaient. Elles n’en prennent que plus de relief dix-huit mois après : Ô joie…. Fille de l’Elysée
Freude, schöner Götterfunken Tochter aus Elysium, Wir betreten feuertrunken, Himmlische, dein Heiligtum! Deine Zauber binden wieder Was die Mode streng geteilt; Alle Menschen werden Brüder, Wo dein sanfter Flügel weilt.
Wem der große Wurf gelungen, Eines Freundes Freund zu sein; Wer ein holdes Weib errungen, Mische seinen Jubel ein! Ja, wer auch nur eine Seele Sein nennt auf dem Erdenrund! Und wer’s nie gekonnt, der stehle Weinend sich aus diesem Bund!
Freude trinken alle Wesen An den Brüsten der Natur; Alle Guten, alle Bösen Folgen ihrer Rosenspur. Küsse gab sie uns und Reben, Einen Freund, geprüft im Tod; Wollust ward dem Wurm gegeben, und der Cherub steht vor Gott.
Froh, wie seine Sonnen fliegen Durch des Himmels prächt’gen Plan, Laufet, Brüder, eure Bahn, Freudig, wie ein Held zum Siegen.
Seid umschlungen, Millionen! Diesen Kuß der ganzen Welt! Brüder, über’m Sternenzelt Muß ein lieber Vater wohnen. Ihr stürzt nieder, Millionen? Ahnest du den Schöpfer, Welt? Such’ ihn über’m Sternenzelt! Über Sternen muß er wohnen.
Joie ! Joie ! Belle étincelle divine, Fille de l’Elysée, Nous entrons l’âme enivrée Dans ton temple glorieux. Ton magique attrait resserre Ce que la mode en vain détruit ; Tous les hommes deviennent frères Où ton aile nous conduit.
Si le sort comblant ton âme, D’un ami t’a fait l’ami, Si tu as conquis l’amour d’une noble femme, Mêle ton exultation à la nôtre! Viens, même si tu n’aimas qu’une heure Qu’un seul être sous les cieux ! Mais vous que nul amour n’effleure, En pleurant, quittez ce choeur !
Tous les êtres boivent la joie, En pressant le sein de la nature Tous, bons et méchants, Suivent les roses sur ses traces, Elle nous donne baisers et vendanges, Et nous offre l’ami à l’épreuve de la mort, L’ivresse s’empare du vermisseau, Et le chérubin apparaît devant Dieu.
Heureux, tels les soleils qui volent Dans le plan resplendissant des cieux, Parcourez, frères, votre course, Joyeux comme un héros volant à la victoire!
Qu’ils s’enlacent tous les êtres ! Ce baiser au monde entier ! Frères, au-dessus de la tente céleste Doit régner un tendre père. Vous prosternez-vous millions d’êtres ? Pressens-tu ce créateur, Monde ? Cherche-le au-dessus de la tente céleste, Au-delà des étoiles il demeure nécessairement.
Une 9ème de Beethoven historique, dirigée par Leonard Bernstein, après la chute du mur de Berlin. Le mot Freude (joie) avait été remplacé par Freiheit (liberté). Il commence comme le beau mot français de Fraternité.
Le mensuel Classica n’a pas hésité à relever le défi de comparer à l’aveugle des dizaines de versions du chef-d’oeuvre de Beethoven.
Yannick Millon, Jean-Charles Hoffelé et le compositeur Patrick Burgan, nous livrent d’abord une passionnante analyse de la discographie pléthorique de l’oeuvre, en ne retenant que les versions en stéréo. Et le résultat de leur écoute comparée est pour le moins inattendu, tant il s’éloigne des « références » toujours avancées. Ce classement me plaît beaucoup, notamment la première place : un chef – Hans Schmidt-Isserstedt – auquel je consacrerai bientôt un portrait discographique, un orchestre qui « respire » naturellement Beethoven. Mais la suite est tout aussi captivante.
(Decca 1965, Hans Schmidt-Isserstedt, Orch.phil.Vienne, Joan Sutherland, Marilyn Horne, James King, Martti Talvela)
(Bis 2006, Osmo Vänskä, orchestre du Minnesota, Helena Juntunnen, Katarina Karneus, Daniel Norman, Neal Davies)
(Decca 1969, Eugen Jochum, Concertgebouw Amsterdam, Liselotte Rebmann, Anna Reynolds, Karl Ridder, Gerd Feldhoff)
(Deutsche Grammophon 1962, Herbert von Karajan, orch.phil.Berlin, Gundula Janowitz, Hilde Rössel-Majdan, Waldemar Kmentt, Walter Berry)
(Deutsche Grammophon 1957, Ferenc Fricsay, orch.phil.Berlin, Irmgard Seefried, Maureen Forrester, Ernst Haefliger, Dietrich Fischer-Dieskau)
(Warner 1991, Nikolaus Harnoncourt, orchestre de chambre d’Europe, Charlotte Margiono, Birgit Remmert, Rudolf Schasching, Robert Holl)
(Sony 1961, George Szell, orch. Cleveland, Adele Addison, Jane Hobson, Richard Lewis, Donald Bell)
(Archiv/DGG 1992, John Eliot Gardiner, orchestre Révolutionnaire et Romantique, Luba Orgonasova, Anne Sofie von Otter, Anthony Rolfe-Johnson, Gilles Cachemaille)
La dernière fois que j’avais entendu l’ouvrage, en version de concert, c’était il y a presque trois ans (lire La Mort en majeur). Ces vingt dernières années, je ne pense pas avoir manqué beaucoup de productions de La Ville Morte / Die tote Stadt, le troisième opéra d’un compositeur prodige – Erich Wolfgang Korngolda 22 ans lorsque l’ouvrage est créé le 4 décembre 1920 simultanément à Hambourg et à Cologne (sous la direction de Klemperer) -, je n’allais pas, je ne pouvais pas manquer la production-événement du Capitole de Toulouse.
Le public toulousain, dont on dit, à tort, qu’il est conservateur et qu’il n’aimerait que le bel canto a fait un triomphe d’abord à une équipe parfaite de chanteurs : Thomas Dollé, Matthias Winckler, Katharina Goeldner, Norma Nahoun, Julie Pasturaud, Antonio Figueroa, François Almuzara et surtout les rôles écrasants de Paul – exceptionnel Torsten Kerl – et Marietta – une découverte avec Evgenia Muraveva, une toute jeune soprano russe formée à Saint-Pétersbourg.
Comment mettre en scène un rêve, un mirage, une illusion – celle du roman symboliste, Bruges-la-Mortede Georges Rodenbachdont s’est inspiré le librettiste de Korngold, Paul Schott ? Dans la plupart des mises en scène que j’avais vues jusque là, on était loin de l’univers onirique si central dans le symbolisme, j’ai le souvenir d’une débauche de scènes réalistes, de mouvements de foules, de décors touffus. Ici Himmelmann réussit le prodige de toujours rester à distance de l’action, comme si tout ce qui se passait dans l’ouvrage une visite, un dialogue, un duo, une scène de cabaret, un défilé religieux, se situait dans cet entre-deux cruel qui taraude Paul : cette femme qui vient le séduire, ce double de Maria, la femme tant aimée, à jamais disparue, l’a-t-il vraiment rencontrée, charnellement aimée ? Fantastique idée que celle de faire évoluer les personnages dans six carrés, tous identiquement meublés – un fauteuil, une lampe à l’abat-jour rouge – jamais ensemble, toujours séparés. Même la scène de résurrection (de Robert le Diable) reste dans la distance, un tableau chamarré qui s’anime à peine. Les personnages, et bien sûr en tout premier lieu Paul et Marietta, s’en trouvent animés d’un élan expressif phénoménal.
Me permettra-t-on une petite réserve sur la direction musicale de Leo Hussain, qui a fort à faire avec une partition aussi géniale que foisonnante ? L’orchestre du Capitole brille de tous ses feux, et le tout jeune Korngold s’y entend – comme son illustre aîné Richard Strauss – pour que l’orchestre ne couvre jamais les chanteurs. Mais quelque chose de l’ordre du mélange des timbres, du fondu et de la luxuriance du son d’orchestre – qu’un Armin Jordan réussissait à merveille – faisait défaut mardi soir.
On n’est pas près d’oublier cette Ville mortetoulousaine. Une réussite de plus à l’actif de Christophe Ghristi, qui nous offre une première saison passionnante.
(Decca 1965, Hans Schmidt-Isserstedt, Orch.phil.Vienne, Joan Sutherland, Marilyn Horne, James King, Martti Talvela)
(Deutsche Grammophon 1962, Herbert von Karajan, orch.phil.Berlin, Gundula Janowitz, Hilde Rössel-Majdan, Waldemar Kmentt, Walter Berry)
(Archiv/DGG 1992, John Eliot Gardiner, orchestre Révolutionnaire et Romantique, Luba Orgonasova, Anne Sofie von Otter, Anthony Rolfe-Johnson, Gilles Cachemaille)
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