Malentendus

L’intense « promo » qui l’a précédée a certainement assuré des chiffres record à la sortie du film de Xavier Giannoli Marguerite. Catherine Frot a dû faire à peu près tous les plateaux, toutes les émissions de télévision dans la quinzaine écoulée. Elle fait même la une du Monde d’hier (http://abonnes.lemonde.fr/cinema/article/2015/09/14/marguerite-un-subtil-air-de-crecelle_4756960_3476.html)

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Faut-il rappeler le pitch de Marguerite ? L’histoire de Mrs. Florence Foster-Jenkins transposée dans le Paris des années 20.

Tout le monde connaît cet air de la Reine de la nuit de la Flûte enchantée de Mozart, massacré par la dame, et diffusé ad nauseam dans tous les bêtisiers radiophoniques

Oui, Catherine Frot alias Marguerite Dumont chante archi-faux dans trois passages du film, oui on rit de bon coeur à pareil saccage musical. Mais ce film, et le personnage qu’incarne, à merveille, Catherine Frot, n’ont rien de comique, pas plus que le professeur de chant, ténor sur le retour, joué par Michel Fau.

Marguerite est une héroïne tragique, parce qu’elle seule éprouve encore du désir, une envie de liberté, qui passe par ce rêve fou de se produire sur une vraie scène devant un vrai public, désir et envie étouffés par l’hypocrisie, la lâcheté de son entourage, à commencer par son mari. On cesse vite de rire, même de sourire, pour être pris à la gorge, jusqu’à un dénouement surprenant.

Giannoli n’a pas lésiné sur les décors, les détails, d’une peinture aussi précise que cruelle d’univers qui se croisent sans jamais se comprendre : les vrais musiciens – jolies séquences qui restituent le foisonnement créateur de ces années 20 – les bien-pensants rescapés de la Grande Guerre, les « folies » des surréalistes, dadaïstes et autres anars. Et, ce qui ne gâte rien, bande originale et illustration musicale très réussies.

Un film à voir, à l’évidence ! Prévoir de sortir les mouchoirs plutôt que se tenir les côtes.

L’ autre malentendu, c’est Guy Béart. Entre ceux qui le croyaient mort, ou qui l’avaient enterré depuis longtemps, ceux qui l’associent aux années pompidoliennes et à des sixties un peu ringardes, personne n’a osé d’autre hommage que ceux qui marquent le décès d’un nom connu.

Finalement Laurent Gerra a plutôt sauvé de l’oubli celui qui avait déserté la scène et les médias, jusqu’à un retour inattendu au début de cette année.

Piètre chanteur, il le reconnaissait lui-même, Béart reste et restera comme un grand auteur, et pas des moindres, puisque, de son vivant, pas loin d’une cinquantaine de ses chansons sont entrées dans l’histoire, reprises par d’autres, fredonnées par tous.

Sur Facebook hier, voici ce qu’écrivait Michel S.

De Guy Béart, qui rimait depuis les années 80 avec ringard, ce dont il n’est jamais revenu, hébété, interdit, continuant parce qu’il le fallait : 

Les enfants de bourgeois (1976).
« Les enfants de bourgeois jouent à, jouent à, 
Les enfants de bourgeois jouent à la misère. 
Ils marchent déguisés en mendiants distingués: 
Ca coûte cher les jeans rapiécés. 
Ils ont pris nos vêtements, nos bleus et nos slogans.
Leur beau linge les attend chez leurs parents.
Les enfants de bourgeois jouent à, jouent à,
Les enfants de bourgeois jouent à la vie dure.
Leurs dents ont trop souffert à cause du raisin vert
Que leurs parents ont mangé hier.
Ils viennent, ces chéris, sur nos tables pourries
Poser leurs hauts talons de leurs théories.
Les enfants de bourgeois jouent à, jouent à,
Les enfants de bourgeois jouent à l’herbe verte.
Ils vont planter leur fraise en Ardèche,.en Corrèze.
Leur sœur, elle, fait du tricot à l’anglaise. 

Ils vont, le cœur vaillant, à la ferme dans les champs. 
La terre est dure, mais ça ne dure pas longtemps. 
Les enfants de bourgeois jouent à, jouent à, 
Les enfants de bourgeois jouent à la commune. 
Ils font quelques enfants libres et nus soi-disant 
Qu’ils abandonnent chez le premier passant. 
Ils abritent des chiens, des oiseaux, des copains, 
Des chats qui meurent écrasés un par un. 
Les enfants de bourgeois jouent à, jouent à, 
Les enfants de bourgeois jouent à l’aventure. 
Ils traversent les mers, les idées, les déserts. 
Quand ça va mal, ils n’ont qu’à changer d’air. 
Quand ils crient au secours, voici qu’ils trouvent toujours 
Au fond de leur poche leur ticket de retour. 
A force de jouer où est, où est, 
A force de jouer, où est l’espérance? »

Et qui pourrait nier que cette chanson de 1968 reste d’une tragique actualité ?

Don Juan

Coïncidence : un film et un coffret qui me ramènent à la Suisse.

Un film qui ne tiendra sans doute pas longtemps l’affiche, un beau sujet déjà traité par Sébastien Lifchitz dans Les Invisibles, qui fait aussi écho au Harvey Milk de Gus van Sant   avec Sean Penn : Der Kreis / Le Cercle du réalisateur suisse allemand Stefan Haupt (http://www.allocine.fr/film/fichefilm_gen_cfilm=226779.html). Docu-fiction plutôt réussie, pudique, juste, sur cette Suisse – on est à Zurich dans les années 1950 – qui passait pour tolérante et qui insidieusement persécutait les hommes et les femmes qui s’aiment. Et un petit plaisir personnel, celui d’avoir été sans doute le seul dans la salle à n’avoir pas eu besoin du sous-titrage pour comprendre les dialogues en pur « Schwyzerdütsch » (le suisse allemand, et son avatar zurichois, étant imperméable même à un parfait germaniste !)

Avant de découvrir ce film, j’avais ouvert le beau coffret que Warner consacre à Thomas Hampson, éternel Don Juan, qui fête une soixantaine rayonnante.

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Coffret richement et intelligemment composé à partir des fonds EMI et Teldec, où l’on retrouve notamment de larges extraits des opéras de Mozart gravés par Harnoncourt

J’ai vu assez souvent le baryton américain sur scène, mais je conserve un souvenir tout particulier d’un Don Giovanni, donné en 1991 – bicentenaire de la mort de Wolfgang oblige – au Grand Théâtre de Genève, dans la mise en scène éblouissante du grand Matthias Langhoff, sous la baguette de mon cher Armin Jordan, avec une équipe comme savait les constituer le patron de la scène genevoise de l’époque, Hugues Gall : aux côtés de Thomas Hampson, prestance physique et vocale idéale pour Don Juan, Marylin Mims (Donna Anna), Gregory Kunde (Don Ottavio), Nancy Gustafson (Donna Elvira), Willard White (Leporello), Francois Harismendy (Masetto), Della Jones (Zerlina), Carsten Harboe Stabell (le Commandeur), et bien sûr l’Orchestre de la Suisse Romande.

Et le souvenir d’un verre partagé avec le chef, et le héros de la soirée, à la Cave Valaisanne : courtoisie, simplicité, culture. Une belle personnalité.

Un Américain de Paris

On le redoutait, le sachant malade depuis plusieurs mois : Lorin Maazel vient de mourir à 84 ans. Lui qui avait composé un unique opéra intitulé 1984 ! C’est à Paris, à Neuilly plus précisément, que naît le petit Lorin le 6 mars 1930, c’est à Paris qu’il viendra réaliser, à 27 ans, ses tout premiers enregistrements pour Deutsche Grammophon avec l’Orchestre National (à l’époque « de la RTF » puis « de France ») dont il sera l’un des prestigieux directeurs musicaux de 1977 à 1991.

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Le seul examen des fonctions qu’il a occupées durant une carrière exceptionnellement longue (le petit Maazel avait commencé à diriger à 11 ans!) donne le tournis : Londres, Munich, Vienne, Berlin, Paris, New York, Cleveland, Pittsburgh, plus récemment Valence, tous les grands orchestres, toutes les grandes scènes d’opéra. La discographie de Lorin Maazel est à l’image de sa carrière, surabondante, trop peut-être, mais avec des réussites exemplaires, parfois insurpassées.

À mes oreilles, le plus grand Maazel se trouve dans ses gravures des années 60 et 70. Plus tard l’effet l’emportera souvent sur l’inspiration, l’emphase sur le style.

Sous réserve d’inventaire, une première sélection, celle du coeur :

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Le titre de ce coffret est partiellement incorrect, puisque c’est avec le National qu’un Lorin Maazel de 28 ans gravait la 1ere et la 41eme symphonies de Mozart, toutes en énergie à défaut de subtilité. Fabuleuses 5eme et 6eme symphonies de Beethoven, juvéniles symphonies de Schubert.

C’est à la même époque, toujours avec le National, que Lorin Maazel grave deux versions jamais dépassées de L’Enfant et les Sortilèges et de l’Heure espagnole de Ravel

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Suivront pour Decca, au mitan des années 60, des intégrales des symphonies de Sibelius et de Tchaikovski, qui sont demeurées des références – même en regard des remakes ultérieurs du même chef – et sont regroupées dans un coffret qui vient de sortir :

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Du temps de son mandat de directeur musical de l’Orchestre National de France, Lorin Maazel a réalisé nombre d’enregistrements de musique française, aujourd’hui difficilement trouvables. C’est par exemple lui qui a créé et enregistré avec son dédicataire, Isaac Stern, le concerto pour violon « L’arbre des songes » de Dutilleux

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C’est au cours de la décennie 70 que Maazel réalise à Londres une somme exemplaire des opéras de Puccini, où sa direction à la fois précise et sensuelle fait merveille, avec des équipes idéales dans ce répertoire (Brilliant Classics avait naguère publié un coffret très bon marché de ces enregistrements, réédités séparément par Sony)

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Pour le fidèle du Concert de Nouvel An de Vienne que je suis, je ne peux oublier que Lorin Maazel en a été l’invité privilégié dès la « retraite » de Willy Boskovsky, de 1980 à 2005, sans toujours laisser une trace impérissable.

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La collection Decca Eloquence australienne a réédité ces derniers mois nombre d’enregistrements réalisés à Cleveland, notamment de musique française. Lorin Maazel à son meilleur !

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Impossible de parcourir une aussi riche discographie d’une traite. Il faudra y revenir, pour rendre hommage à l’un des chefs les plus incroyablement doués de sa génération, qui a parfois donné le sentiment de se laisser aller à la routine ou à la facilité, alors qu’il pouvait instantanément retrouver la fougue et l’élan de sa jeunesse.

Je garde le souvenir, il y a plus d’une vingtaine d’années, au Victoria Hall de Genève, d’un concert de tournée du Pittsburgh Symphony, dont Maazel était alors le chef. Figurait au programme la 3e symphonie « Héroïque » de Beethoven. Avec les amis de la Radio Suisse romande qui m’accompagnaient, nous craignions une lecture luxueuse mais banale, nous eûmes droit à l’une des plus magistrales et fulgurantes Eroica jamais entendues en concert…